A Luz Entre Oceanos

Luz na Escuridão

The Light Between Oceans, Dir: Derek Cianfrance, Reino Unido/Nova Zelândia/EUA, 2016, 2h13min
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Uma estória de amor permeada por um grande drama familiar em um cenário paradisíaco e com um elenco de primeira, resumidamente assim pode-se definir A Luz Entre Oceanos.

Na trama, Tom, um ex-combatente das trincheiras da Primeira Guerra Mundial, aceita o solitário emprego de faroleiro em um ilha isolada. Em pouco tempo casa-se com um moça da região, Isabel. O amor o faz redescobrir o prazer pela vida, abalado após os horrores que presenciou nos campos de batalha. Após dois abortos espontâneos de Isabel, um barco a remo chega à ilha com um homem morto e uma bebê que eles decidem criar como se fosse sua filha biológica. Pouco tempo depois, Tom descobre a trágica história da bebê, e que sua mãe acredita que ela morreu no mar.

O roteiro baseia-se no livro de mesmo nome de M.L. Stedman de 2011, e algumas passagens deixam clara sua origem, especialmente um certo excesso de leitura de cartas.  O que é um bom veículo em um livro não o é exatamente em um filme, onde se deve mostrar, não contar. Mas tal "defeito" do roteiro não atrapalha a narrativa. Prova disso é que há alguns pequenos detalhes que são mostrados de passagem e posteriormente vão ganhar importância na trama. 

Alguns temas são muito importantes ao filme, sobretudo esta mencionada confusa estória familiar. Em certo sentido lembra o ótimo Pais e Filhos de Hirokazu Kore-eda. A diferença maior é que enquanto no filme japonês a trama centra-se numa troca de bebês, em A Luz entre Oceanos existe a criação de uma criança por outros pais, enquanto há uma mãe que sofre pela suposta morte da filha.

Também presente está o conflito de Tom entre o dever e o que é certo, quando tem de decidir se deve comunicar ao serviço de faróis que encontrou o barco ou se cria a bebê para compensar sua esposa pelos dolorosos abortos que sofreu. Posteriormente surgirá o mesmo conflito entre se deve contar à mãe da bebê o que ocorreu ou se finge que está tudo bem pela felicidade de sua esposa. Por fim, há algumas discussões sobre o perdão e o efeito que ele produz sobretudo naquele que perdoa, mais no que em quem foi perdoado.

Como já indica o elenco composto por duas atrizes oscarizadas, Alicia Vikander e Rachel Weisz e por um ator indicado que provavelmente ganhará o prêmio em breve, Michael Fassbender, as atuações se destacam. Seria muito fácil transformar uma estória tão dramática em uma novela mexicana. Mas a qualidade dos intérpretes impede que isso ocorra, pela sobriedade com que encaram seus trabalhos, sem que isso signifique uma atuação fria.

A direção de Derek Cianfrance consegue conduzir bem seus atores (o que não é difícil) e seus cenários paradisíacos. A fotografia dá grande destaque ao horizonte e aos pores do sol, com uma paleta com destaque para o dourado nos momentos de aproximação entre Tom e Isabel, e depois adota tons azuis nos momentos de tensão, ambientando bem a estória.

A Luz Entre Oceanos é um belíssimo romance. Aos emotivos é recomendável levar uma caixa de lenços, pois a carga dramática é intensa. 

Nota: 7

Aquarius

Clara Contra Golias 

Dir: Kleber Mendonça Filho, Brasil, 2016, 2h22min
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Aquarius foi o filme mais falado no Brasil neste ano, mais pelo protestos liderados por seu elenco e equipe do que por seu conteúdo. Mas e o filme, é bom? Pois é, isso é o que menos se discute.

Aquarius ocupou mais espaço no noticiário político do que no cultural recentemente, em razão de seus realizadores terem utilizado o Festival de Cannes e outros espaços como palco para seus protestos contra o processo de impeachment. Assim, a turma antipetista passou a odiar Aquarius sem vê-lo, enquanto a turma contra o impeachment passou a amá-lo incondicionalmente também sem vê-lo, o que faz com que Aquarius fosse muito mais julgado pelas bandeiras levantadas do que pelo que é. 

O simbolismo ficou maior que a obra. Ver ou não o filme se tornou mais um ato político do que um evento cultural. Nada contra os protestos, pois neste espaço defende-se a liberdade de expressão de forma muito ampla, mas sendo este um blog de crítica cinematográfica, há que se afastar as opiniões políticas e analisar a obra em seu contexto. 

Feita esta consideração inicial sobre a polêmica política que envolveu o filme (que quase nada tem a ver com a obra), resta dizer que Aquarius é um filmaço!

A trama centra-se na protagonista Clara (Sonia Braga), última moradora de um antigo prédio residencial na praia de Boa Viagem em Recife, cujos demais apartamentos foram todos adquiridos por uma construtora que deseja erguer um moderno condomínio-clube-fortaleza. Clara resiste a ideia de vender seu imóvel, pois passou sua vida lá e não vê motivos para deixar o lugar. Este é o eixo condutor da obra. Uma alegoria da luta entre um Brasil que vai ficando para trás frente a uma modernidade que quer destruir os sinais do passado, mas mantendo as mesmas pessoas no poder.

Apesar do tema central sempre estar presente, o filme é muito maior que esta batalha de uma mulher contra o poder econômico, uma representação do mito bíblico de Davi contra Golias. O filme é sobre a vida de Clara, passando por seus relacionamentos com seus familiares, com seus vizinhos, com seus amigos, com sua empregada, sobre sua saúde, sua sexualidade. Enfim, sobre suas dores e alegrias.

O roteiro, centrado nesta vida, tem grandes momentos. Há muitos bons diálogos. Os temas pessoais de Clara são abordados de maneira madura, sem excessos dramáticos, ora de maneira leve, ora de maneira dura. Há diversas críticas sociais, algumas muito bem feitas, mas algumas outras ficam um pouco deslocadas do tema com um ou outro diálogo didático demais, parecendo uma frase pronta de universitário de humanas, soando artificial. Mas estes pequenos defeitos não chamam a atenção frente ao brilhantismo da obra.

O filme é muito bem dirigido, com destaque para a fotografia que acerta em bons enquadramentos, com destaque para algumas tomadas aéreas que se iniciam focadas nos personagens e abrem-se muito, mostrando a cidade de Recife (quase um personagem na obra) em que os personagens se inserem. Na produção há que se destacar a ótima caracterização dos anos 80, com um menino usando camiseta de marca de cigarro, garrafas de vidro de cerveja e de refrigerante sobre a mesa em uma festa e diversas pessoas fumando sem preocupação em uma ambiente fechado cheio de crianças. Os que tem mais de 30 anos vão se sentir de volta ao passado. Esse nosso estranhamento e nostalgia com o passado não tão distante lembra um pouco a ótima série Mad Men. Também se destaca a bela trilha sonora, que se encaixa perfeitamente à obra e à protagonista, que era crítica musical. Destaque para a belíssima canção Hoje, de Taiguara. 

O roteirista e diretor Kleber Mendonça Filho, em seu filme anterior, O Som ao Redor (pitaco aqui), tinha um bom tema mas o tratou de forma arrastada, sem foco e maçante. Aqui não, especialmente pelo fato de ter uma narrativa central, o que não havia na obra anterior. Alguns cacoetes ele manteve, como a utilização de fotos antigas na abertura da obra e as já citadas cenas deslocadas da narrativa central. O foco quase que constante em Clara nos faz levar a viver seus dramas com ela. A direção de atores também é ótima.

Com essa direção todo o elenco trabalha bem, mas o destaque é sem dúvida a onipresente Sonia Braga. Sua atuação é fenomenal, ao mesmo tempo sutil e impactante, mostrando diversas faces de sua personagem que cativa o público numa estória em que cada um pode se identificar em algum aspecto. Já existe um pequeno lobby para sua indicação ao Oscar 2017, o que seria muito merecido.

Com relação à polêmica não indicação de Aquarius na vaga brasileira do Oscar pelo comitê brasileiro que escolheu Pequeno Segredo há que se fazer algumas considerações. 

Primeiro, não dá pra saber se a escolha foi política ou não, como forma de boicote por conta dos protestos feitos pelos realizadores do filme. Acreditar piamente na hipótese do boicote é ir na linha do tão falado "não tenho provas, mas tenho convicção" versão "Fora, Temer". Não se nega que a hipótese pode ser verdadeira, pois foi estranho o que ocorreu.

Segundo, o ainda não lançado Pequeno Segredo tem que ser uma obra espetacular (e muitos que o viram já estão dizendo que não é) para bater Aquarius, pois não é todo dia que se fazem filmes tão bons. 

Por fim, uma das justificativas do comitê para a indicação foi a da "adequação ao gosto da Academia". Não se sabe exatamente o que isso quer dizer, mas talvez signifique um filme dramático sentimental e fofo, tipo A Vida É Bela. Pois bem, não sei se o comitê sabe, mas as últimas obras que venceram o prêmio de melhor filme em língua estrangeira não se enquadravam nisso. Os últimos cinco premiados, o iraniano A Separação (premiado em 2012), o francês Amor (2013), o italiano A Grande Beleza (2014), o polonês Ida (2015) e o húngaro Filho de Saul (2016) não são filmes fofinhos ou agradáveis, são todos obras pesadas, reflexivas, com narrativas pouco convencionais e alguns até violentas. Nem mesmo os últimos vencedores do prêmio principal são filmes bonitinhos, e se tornou um chavão falso acreditar que os tais "velhinhos da Academia" são excessivamente conservadores.

Aquarius gerou muita polêmica em meio ao cenário político polarizado que estamos vivendo. Seria uma pena que o filme ficasse marcado no imaginário coletivo somente pela polêmica do momento atual, pois é uma grande obra, que deveria ser vista por todos, independentemente de se considera que o que aconteceu neste ano foi um impeachment ou um golpe. Felizmente o tempo fará com que este fato político fique no nosso tempo, e o filme será lembrado somente por seu ótimo conteúdo.

Nota: 9

Fogo Contra Fogo

Pacino x De Niro (e não é só isso)

Heat, Dir: Michael Mann, EUA, 1995, 2h50min
IMDB                 Trailer                 Roteiro

Ver as lendas Al Pacino e Robert De Niro dividindo a tela ainda hoje é o chamariz para o público ver Fogo Contra Fogo, lançado em 1995. Felizmente, o filme é bem mais do que um simples veículo para proporcionar este encontro aguardado pelos fãs.

O filme é um remake de outro filme televisivo do mesmo roteirista, diretor e produtor Michael Mann Os Tiras de Los Angeles, feito nove anos antes, baseado em uma história real, ocorrida nos anos 60, envolvendo um ladrão experiente e um policial durão.

Na trama o assaltante Neil McCauley (De Niro), após um mau sucedido roubo a carro forte que acidentalmente resulta na morte de seus três guardas, passa a ser procurado pelo policial de homicídios Vincent Hanna (Pacino). A obsessão destes dois homens para vencer um ao outro conduzirá a estória.

Apesar de ser um filme feito para unir os dois grandes atores, eles dividem a tela em somente dois momentos. O mais marcante é um diálogo em uma lanchonete na metade do filme. No esboço deste texto criticava-se a falta de realismo em ver um policial e um ladrão trocando confidências e percebendo-se semelhantes, como ocorre no filme. Mas as pesquisas para esta publicação mostraram que tal improvável cena ocorreu de fato no caso em que se baseia o filme (link para o vídeo em que o policial em que se baseia o caso conta parte desta história).

Ainda que a cena do café fosse mera licença poética, seria uma belíssima cena e um momento memorável do cinema. Dois homens em lados opostos que se percebem como faces da mesma moeda. Um agente da lei versus um fora da lei. Dois homens tão dedicados à suas ocupações que deixaram suas vidas pessoais a reboque. Um já tinha dois divórcios nas costas e caminhava para o terceiro. O outro nunca havia tido um relacionamento sério e estava tentando pela primeira vez amar uma mulher. 

O filme tem um ritmo um pouco lento e com muitas reflexões sobre as escolhas que fazemos em nossas vidas. Para alguns pode ser enfadonho. Foi o que eu achei vendo o filme pouco depois do lançamento, aos 15 anos de idade, quando não achei o filme muito interessante. Talvez não por ter achado o filme chato, mas em razão dos temas debatidos, como a questão carreira versus família, que não fazia muito sentido para um garoto que ainda estava começando a querer curtir o sábado à noite. Vinte anos depois, para um homem com carreira e família, este filme muda completamente de perspectiva.

O filme alterna muito bem suas sequências de ação com seus momentos em que foca nos personagens, com suas reflexões silenciosas. Vale elogiar as boas sequencias de ação em um filme que não é de ação. A ação aqui não ocupa o espaço principal, mas é uma ferramenta a serviço do roteiro. O problema no cinema sempre se dá quando algum elemento quer ser maior que o roteiro, o que já foi diversas vezes criticado neste espaço, que é o que ocorre com os efeitos visuais no cinema hollywoodiano atual.

A cena de ação mais famosa é um tiroteio no centro de Los Angeles, elogiadíssima no meio cinematográfico. No entanto, chama a atenção o fato da polícia ter iniciado um tiroteio em uma área cheia de pessoas, expondo a vida de dezenas de civis inocentes. No mundo real, se a polícia não fosse inconsequente, teria preferido deixar os criminosos fugirem com milhões de dólares do que correr o risco de ver alguns inocentes mortos ao final da ação.

Pacino e De Niro não estavam no auge de suas carreiras, basta lembrar de O Poderoso Chefão II  ou de outros filmes de atuações memoráveis de ambos como Serpico ou Touro Indomável, mas fazem um bom trabalho. O elenco é completado por muita gente renomada com boas atuações. Estão no filme Jon Voight (mais conhecido atualmente como pai da Angelina Jolie), Val Kilmer, Tom Sizemore, Ashley Judd, Danny Trejo e Natalie Portman.

Fogo Contra Fogo, muito além de unir dois medalhões em cena, é um bom filme, que leva a reflexões sobre escolhas na vida, em meio a um cenário violento e tumultuado.

Nota: 7

Los Angeles: Cidade Proibida

O lado escuro do paraíso

L.A. Confidential, Dir: Curtis Hanson, EUA, 1997, 2h18min
IMDB                 Trailer

Nas décadas de 1940 e 1950 filmes em preto e branco com fortes contrastes, personagens dúbios, casos policiais e femme fatales marcaram época. Os franceses nomearam o gênero como filme noir (escuro). De tempos em tempos Hollywood recicla a forma, como em Los Angeles: Cidade Proibida, filme de 1997 e indicado a diversos prêmios no Oscar 1998 (e perdeu quase todas para o limpa-prêmios Titanic).

A trama se passa no período em que Los Angeles era a cidade em que todos nos EUA sonhavam em ir. O paraíso. Mas um paraíso com muita sujeira para além do glamour. A ação do filme ocorre após à prisão do chefe do crime de Los Angeles, o personagem real Mickey Cohen, quando um vácuo se abre no submundo e se inicia uma guerra para assumir a liderança criminosa. Neste cenário é que convergirão os caminhos de três policiais com perfis completamente distintos: o certinho Ed, o bruto Bud e o malandro Jack.

A trama tem muitos detalhes e exige a atenção (e a inteligência) do espectador. Os diálogos são cheios de gírias e palavrões, o que o diferencia dos filmes noir do período de ouro do gênero, numa busca por naturalidade na trama do submundo. 

Os personagens são um tanto quanto estereotipados, mas crescem com a qualidade de seus intérpretes. Russell Crowe e Guy Pearce eram ainda desconhecidos quando fizeram o filme, mas carimbaram seus passaportes para o estrelato nesta produção. Kevin Spacey já havia sido premiado com um Oscar e mostrou seu talento habitual.

Também está no elenco como a mulher fatal Kim Basinger, ícone sexual dos anos 1980 e 1990, que surpreendentemente venceu o Oscar de atriz coadjuvante com sua performance. Talvez pelo fato dos membros da Academia não acreditarem que ela era atriz de verdade, após diversas indicações de pior atriz no famigerado Framboesa de Ouro. Ela não compromete o filme, mas tampouco o engrandece. E todas as suas concorrentes entregaram melhores atuações, com destaque para Julianne Moore em Boogie Nights (isso era só o prenúncio do que viria a ocorrer na catastrófica premiação do Oscar do ano seguinte, 1999) Além disso, quando dessa produção Basinger já mostrava sinais claros de cirurgias plásticas e aos 43 anos era um pouco velha para o papel de uma prostituta dos anos 50, época em que certamente os homens consideravam velhas mulheres de mais de 30.

Apesar de se inscrever no gênero noir (de escuro), a fotografia do filme é bastante luminosa, com muitos cenários diurnos. A direção de arte é caprichada e consegue levar o público aos anos dourados de L.A. E a direção é competente, cadenciando bem os momentos de investigação com cenas de ação bem fortes.

Los Angeles: Cidade Proibida é um bom filme, mas talvez um pouco arrastado e complexo para alguns públicos. Mas se destaca em importantes elementos cinematográficos como roteiro e atuações. E Hollywood merece o crédito por produzir um filme adulto e um tanto quanto sujo, que faz lembrar o grande cinema americano dos anos 1970. 

Nota: 8

The Lost Honour of Christopher Jefferies

O Professor Aloprado Injustiçado

Idem, Dir: Roger Michell, Reino Unido, 2014, 1h54min
IMDB     

ALERTA DE SPOILERS. Um pouco da trama geral é revelado, mas sem detalhes.

Uma ocorrência de desaparecimento de uma moça revela-se ser na verdade um caso de homicídio. O principal suspeito, seu senhorio, o excêntrico professor universitário aposentado, o personagem-título de The Lost Honour of Christopher Jefferies (sem título em português).  

O filme baseia-se em uma história real que abalou o Reino Unido nos últimos dias de 2010 e se tornou uma das maiores investigações policias da história do país (Link do caso na Wikipedia).

Christopher Jefferies foi preso sem nenhuma prova contra si, apenas coincidências circunstanciais e teve de passar 3 dias encarcerado. Quando saiu do cárcere, percebeu a forte cobertura midiática, que devassou sua vida. A mídia britânica não teve pudor algum em condená-lo, não pelo ato que supostamente cometera, mas por sua figura. Basicamente, atribuiram que alguém de aparência e comportamento estranho "naturalmente" seria um homicida.

Apesar de ser apresentado como filme no Netflix, na verdade o produto original foi uma minissérie em 2 capítulos. O roteirista Peter Morgan tem bons filmes em seu currículo, Rush e A Rainha, e faz um bom trabalho aqui de não entregar muito da estória, mas levar os espectadores numa jornada junto ao protagonista.

Jason Watkins apresenta um ótimo trabalho como o protagonista, não deixando de lado sua caracterização excêntrica (muito parecido com o personagem real, como pode ser visto nesta foto), porém mantendo-se firma na tênue linha entre o real e o espalhafatoso. Não seria difícil tornar esse personagem um estereótipo de professor louco desajustado. Mas ele mostra sua humanidade ao ter de de abrir mão de sua privacidade e sua reputação de bom cidadão.

A condenação moral da sociedade aqui faz lembrar o ótimo premiado filme sueco-dinamarquês, A Caça (clique no título para ler o pitaco). Enquanto naquele mostrava-se o impacto na vida de um cidadão em uma pequena comunidade, neste o cidadão é difamado nacionalmente.

O filme mostra como os britânicos ficaram chocados com este caso de abuso governamental e midiático. A pergunta que fica a nós, espectadores brasileiros, é o que os súditos da rainha diriam do sistema processual penal brasileiro, que ignora várias garantias humanas diariamente, e de nossa mídia, com seus programas policias grotescos..

The Lost Honour of Christopher Jefferies é um filme interessante sobre abuso policial e midiático sobre um cidadão comum. Importante em um mundo tão ansioso em prontamente condenar o ato e, especialmente, a vida dos suspeitos.

Nota: 7

Independence Day: O Ressurgimento

Aliens Atacam Novamente!

Independence Day: Resurgence, Dir: Roland Emmerich, EUA, 2016, 2h00min
IMDB                 Trailer

Independence Day, o original, queiram ou não, foi um marco no cinema. Foi um dos produtos mais bem acabados esteticamente do subgênero do filme catástrofe, em uma época em que os efeitos digitais (CGI) estavam em seu início. Jurassic Park, o divisor de águas do gênero, havia sido lançado só três anos antes. ID4 (seu apelido carinhoso) foi o campeão de bilheteria de 1996 e gerou a infame paródia Marte Ataca! (em que Jack Nicholson causa muitas risadas parodiando o heroico Mr. President do original).

Apesar de campeão de bilheteria, a crítica nunca recebeu bem o filme. Pudera. O roteiro é cheio de clichês patrióticos (em um filme que lida com a aniquilação da humanidade), personagens rasos e situações bomba-relógio. Alguns diálogos são risíveis, como o discurso patriótico do Mr. President, com o famoso "Today, is our INDEPENDENCE DAY!". E as atuações ajudam menos ainda.

Dito isso, não se pode negar que, apesar de todos os defeitos, o filme original é um ótimo produto de entretenimento (clique aqui para ver um vídeo, em inglês, analisando os pontos fortes do roteiro). A tensão é constante e as cenas de destruição global até hoje são marcantes. E feitas sem CGI, à maneira antiga, com maquetes e gasolina. Por esses motivos, sempre digo que Independence Day é meu filme tosco favorito. 

Como não podia deixar de ser na fase atual de pouca criatividade, Hollywood resolveu continuar essa estória 20 anos depois. E não foi muito feliz.

O roteiro do novo filme tem a mesma estrutura do antigo. Os ETs chegam, começa a rolar a destruição global e culmina no grande confronto final. O novo filme erra feio ao não conseguir gerar o mesmo efeito de tensão que era o ponto forte do primeiro. E isso não se deve por conta do público já estar preparado, mas por erros de roteiro. No primeiro, foi sendo criada uma grande tensão que levava o público a imaginar a destruição que se seguiria, com a morte de vários personagens secundários que foram criando empatia com o público. Como sabe qualquer diretor de filme de terror, a tensão que se cria ANTES do ocorrido é bem mais forte do que mostrar a tragédia. E nisso o filme erra bastante. Não há expectativa criada. Londres é completamente destruída sem que o espectador esperasse isso, resultando em uma cena de destruição esvaziada de conteúdo.   

No primeiro filme a chegada dos aliens ocorre logo no início. Em O Ressurgimento, gasta-se muito tempo contextualizando o espectador sobre o que ocorreu nos 20 anos anteriores. Os personagens novos (alguns não tão novos assim, pois eram crianças no filme anterior) não tem muita graça e pouco acrescentam. Por fim, as repetições entre os dois filmes, mais do que gerar um paralelismo interessante, acaba resultando em uma repetição incômoda, com os mesmos enquadramentos, expressões dos atores e cenários. Uma ou outra repetição vai lá, até é positivo para alimentar a nostalgia dos fãs, mas parecer um remake cansa.

Exceção feita a Will Smith, que se tornou astro internacional e ganhou respeito como intérprete após o primeiro filme, os demais atores do primeiro filme e novamente presentes como Bill Pullman e Jeff Goldblum sempre foram canastrões. Os novos não mudam o panorama. Aqui vemos até a inclusão de uma boa atriz, Charlotte Gainsbourg (a Ninfomaníaca), deslocada em um blockbuster. E o veterano Judd Hirch poderia ter sido deixado de lado, pois ele conduz uma trama paralela que nada acrescenta, não servindo nem como o alívio cômico que fora na aventura anterior

E o filme mostra claramente algumas das marcas dos 20 anos entre as duas estórias. Se antes mal se mostrava a gigantesca China, neste o país ganha destaque, com a inclusão de uma heroína chinesa e cenas de destruição no Império do Meio. Também não fica de fora a normalização da homoafetividade, pois dois cientistas presentes no original se revelam um casal gay. Não tem a tão "temida" cena do beijo, mas tem o afeto e a cumplicidade entre dois homens, assim como ocorre com casais hetero.

Independence Day: O Ressurgimento tem os mesmos problemas de seus antecessor. Mas falha em imitar suas virtudes. Recomendado para os fãs da agora série, que, infelizmente, sairão com uma certa decepção do cinema.

Nota: 5

X-Men: Apocalipse

Título 

X-Men: Apocalypse, Dir: Bryan Singer, EUA, 2016, 2h24min
IMDB                 Trailer

O fim do mundo se aproxima. Toda a humanidade perecerá e só os mutantes continuarão neste planeta. Esta é a premissa do filme que encerra a trilogia de origem dos mutantes do Professor X, X-Men: Apocalipse.

Na trama, o primeiro mutante da História, Apocalipse, acorda após mais de 2000 anos de hibernação e decide levar adiante seu plano de exterminar a raça humana, dando lugar a um mundo de mutantes. Em seu caminho, irá cruzar com o Professor X, cada vez mais dedicado à sua escola e à causa do coexistência entre humanos e mutantes, com o recluso Magneto, que adotou uma nova identidade e vive uma vida familiar simples e com a foragida Mística.

Seguindo a cronologia desta segunda trilogia, que nos episódios anteriores Primeira Classe e Dias de Um Futuro Esquecido se passou, respectivamente, em 1963 e em 1973, desta vez estamos no mundo de 1983. Muito rock, estilo glam, e fliperama se farão presentes na história. Contudo, desta vez faltou a política do mundo real, muito presente nos filmes anteriores com os personagens em meio à Crise dos Mísseis de Cuba e os Acordos de Paz de Paris, que encerraram a Guerra do Vietnã. Desta vez o máximo que se coloca é o controle dos arsenais nucleares mundiais, mas sem aprofundamento.

O filme se destaca entre os filmes de super-heróis que o precederam nos cinemas neste ano, Batman vs Superman e Capitão América: Guerra Civil (clique nos títulos para ler os pitacos) por conta de seu lento desenvolvimento e aprofundamento de seus personagens.

Também pudera, com um elenco de peso inigualável para obras do gênero, reunindo atores aclamados pela crítica, seria um desperdício não investir em seus personagens. O peso dramático maior cabe ao ótimo Michael Fassbender (Magneto), forte candidato a um Oscar nos próximos anos. Jennifer Lawrence (Mística) e James McAvoy (Professor X) também vão bem e tem seus momentos. Até mesmo Oscar Isaac (Apocalipse), em seu papel um tanto engessado, consegue tirar algo.

Uma das melhores qualidades do filme, e que deveria ser padrão, é que o roteiro está acima das cenas de ação ou dos efeitos especiais. Todos os realizadores de cinema deveriam aprender que os efeitos deveriam ter o propósito de ajudar a contar a estória, e não ao contrário, com uma estória feita só pra justificar cenas mirabolantes. Não que falte ação ou efeitos no filme. O final, especialmente, é uma grande catarse. Mas ele foge do exagero que faz com que o espectador se perca em alguns momentos. Aliás, a longa sequência de Mercúrio correndo é espetacular e um primor de produção de efeitos visuais.

O ponto fraco do filme fica por conta de quebrar a cronologia ao longo de toda a saga, pois uns fatos mostrados neste necessariamente teriam de afetar situações dos outros filmes. Conselho: desencane disso e aproveite a diversão, afinal, este é o propósito do filme.

X-Men: Apocalipse, pela qualidade de seu roteiro e de suas atuações, é o melhor filme de super-heróis do ano. Fica abaixo de seus predecessores na saga, mas isso não chega a ser um demérito, tendo em vista a boa qualidade destes.

Nota: 8

Para Sempre Alice

Memórias ao Vento

Still Alice, Dir: Richard Glatzer/Wash Westmoreland, EUA/França, 2014, 1h41min
IMDB                 Trailer                 Roteiro               Netflix

Muitas pessoas valorizam a experiência pessoal em detrimento do acúmulo de bens. O melhor exemplo são aqueles que preferem viajar a adquirir coisas, pois alegam que nossas lembranças duram mais do que bens. Mas e quando a memória vai embora?

Este é um dos problemas abordados em Para Sempre Alice. No filme a protagonista Alice é uma internacionalmente conhecida professora de linguística da prestigiada Universidade Columbia, com alto padrão de vida e com filhos já adultos. Somos apresentados a ela nas comemorações de seus 50 anos. Pouco depois ela começa a ter pequenos episódios de esquecimentos. E é diagnosticada com Alzheimer precoce.

Um diagnóstico assim é duro para qualquer pessoa, pois esta doença vai acabando com a pessoa que somos, na medida em que esquecemos de quase tudo que importa para nós. No caso de Alice é ainda pior, pois ela construiu tudo em sua vida com seu intelecto superior. E suas tão caras memórias, de viagens, da vida em família, de seu trabalho e de tudo que viveu, em pouco tempo irão abandoná-la.

Para servir ao propósito do filme de mostrar a evolução da doença, o Alzheimer de Alice avança rapidamente, acima do padrão normal. O filme passa pelas fases do luto, ainda que Alice não tenha morrido: há a negação inicial e a aceitação final. Toda sua família se vê envolvida no problema. 

O roteiro de Richard Glatzer e Wash Westmoreland (que também assinam a direção) apesar de forçar um pouco a mão no drama em alguns momentos, respeita a inteligência do espectador, pulando algumas etapas como os exames das protagonista e já indo direto para o resultado. Essa talvez seja a principal lição que os roteiristas brasileiros devam aprender, que nem tudo precisa ser explicado tintim por tintim. A direção se sustenta no talento do elenco, sobretudo da protagonista.

Julianne Moore foi finalmente contemplada com o Oscar com esse filme, em sua 5ª indicação. Foi merecido, tanto pela atuação quanto pelo conjunto da obra (que não deveria ser analisado, mas sabemos que a Academia faz muito disso). No elenco, formando sua família, estão Alec Baldwin, Kate Bosworth, Kristen Stewart, que aqui consegue ser mais expressiva que na tenebrosa (não no sentido de assustadora, mas de ruim) saga Crepúsculo.

Cinematograficamente Para Sempre Alice não é nada fenomenal, se enquadrando no rótulo de drama pessoal e familiar. Mas é um bom filme e uma lição para aprender um pouco mais sobre essa doença que muito provavelmente, infelizmente, ainda afetará alguém próximo.

Nota: 7

Ele está de Volta

Heil, Hitler!

Er ist wieder da, Dir: David Wnendt, Alemanha, 2015, 1h56min
IMDB      Netflix

E se por alguma força inexplicável do destino Adolf Hitler, o homem que iniciou a guerra mais mortífera da História e massacrou milhões de não combatentes, voltasse, como se não tivesse morrido em 1945? Como ele seria recebido pelo mundo atual? Esta é a pergunta básica de Ele Está de Volta, baseado no best seller homônimo de Timur Vermes.

No filme, o Führer acorda no mesmo local onde seu corpo teria sido queimado por seus soldados após seu suicídio. Quando ele surge, as pessoas começam a achar que ele é apenas um humorista fazendo graça, o que faz com que, com a ajuda de um cinegrafista tentando se encontrar, ele se torne um sucesso na internet e na televisão.

O que inicialmente parecia uma piada, logo se revela mais que isso. Hitler vai fazendo sua pregação contra a decadência do mundo ocidental, e aos poucos as pessoas vão se dando conta de que ele ão diz só besteiras.

Hitler nunca disse só besteiras. Se fosse médico, ele seria conhecido por fazer bons diagnósticos, porém propor o tratamento usando a eutanásia. Seu maior problema era apelar para a emoção, e não para a razão das pessoas, passando por cima das ideias de tolerância e coexistência, e apelando pelo chamado ao coletivo tribal, a lógica do nós contra eles.

No mundo atual, com um Alemanha recebendo levas de imigrantes de cultura diferente, especialmente islâmicos, não é difícil apelar para a xenofobia que existe dentro de cada um de nós. Muitos só estão esperando ela ser despertada.

Apesar de ter um ótimo tema, o filme falha como cinema.  Seu formato em alguns momentos é o do falso documentário (mockumentary), mostrando a suposta reação de pessoas reais a um Hitler andando pelas ruas. Mas o pior defeito é a narrativa fictícia, com personagens e um trama sem muita graça, exceção feita ao Hitler. Aliás, nem o Hitler é perfeito, pois seu intérprete Oliver Masucci, ao contrário do chanceler alemão que tinha 1,73m, é muito alto, quebrando a possível ilusão de ver Hitler ressurgido.

Ele Está de Volta passa a mensagem que deseja, de que o mundo atual está a espera de um novo líder carismático que diga o que tem que ser feito, apelando as emoções que não passam pela razão. Mas sua trama e seus personagens, essenciais à uma narrativa cinematográfica, não despertam muita graça.

Nota: 5

Capitão América: Guerra Civil

Confronto Aguardado

Captain America: Civil War
Dir: Anthony Russo/Joe Russo, EUA, 2016, 2h27min
IMDB                 Trailer     

[SEM SPOILERS - O pouco que é revelado aqui já era de conhecimento geral]

Capitão América: Guerra Civil chegou aos cinemas precedido por uma expectativa de ser o melhor filme de super-heróis de todos os tempos. Será mesmo? A resposta você lê na sequência. 

Apesar do título, este filme na cronologia do universo cinematográfico da Marvel é continuação direta de Vingadores: Era de Ultron (clique no título para ler o pitaco). Obviamente ele também continua a estória de Capitão América: O Soldado Invernal, e quem não os viu pouco entenderá da trama. 

No enredo, após diversos danos colaterais com muitas vítimas envolvendo a atuação dos Vingadores, os países da ONU decidem fazer um acordo para controlar as ações do grupo. Curiosamente, o sempre individualista Homem de Ferro decide aceitar o controle, enquanto o antes disciplinado Capitão América se opõe ao projeto temendo que isso representará o fim do grupo.

Um ponto bem abordado no filme é o fato de que a rivalidade entre os grupos de heróis não faz com que eles deixem de ser amigos. Ainda que tenham de resolver seus problemas no braço, eles não passam a se odiar mortalmente. Isso poderia servir de exemplo para nossos tempos em que qualquer discussão se torna objeto de polarização (especialmente quando é política), em que parece que os que estão em um pólo tem que nutrir ódio dos que estão no outro, e ninguém chega a lugar nenhum.

Novos personagens foram introduzidos neste filme: O Pantera Negra e o Homem-Aranha. O primeiro foi bem inserido, estando plenamente envolvido na trama, ainda que pouco se conte sobre sua origem, que ficará para seu filme solo que chega aos cinemas daqui um ano. Já em relação ao carismático Amigo da Vizinhança fica evidente que sua inserção foi de última hora após o acordo com a Sony (detentora de seus direitos cinematográficos) já com o roteiro escrito e as filmagens em andamento (leia a notícia sobre isso aqui), pois sua apresentação é bem mal feita e quebra a narrativa. Sua participação tampouco é muito relevante. A única coisa interessante, além de seus poderes usados em combate, é o fato de desta vez o personagem não ser um adolescente se tornando um adulto, mas um garoto de uns 15 anos, completamente deslumbrado em estar envolvido com todos aqueles personagens, o que rende algumas boas piadas.

Com tantos personagens relevantes, o elenco precisa ser composto por bons atores. Robert Downey Jr. personifica tanto o Homem de Ferro que já se decidiu que depois que ele deixar o papel terão de esperar alguns anos antes que outro ator assuma o personagem. Chris Evans é canastrão, mas parece ter incorporado bem o Capitão América, especialmente com esta mudança profunda em sua personalidade. Assim como em Vingadores: Era de Ultron, todos os personagens recebem um pouco de atenção e tem seu momento. Destaque para o ótimo ator hispano-alemão Daniel Brühl, que vem buscando seu espaço em Hollywood, e dá maior peso dramático ao filme.

Com relação à parte técnica, a ação utiliza-se de muitos takes rápidos, recurso que sempre torna a ação um pouca confusa para o espectador. Os Irmãos Russo, diretores do filme, foram muito mais competentes em seu filme anterior: Capitão América: O Soldado Invernal. Também a indústria hollywoodiana poderia se readequar como um todo e parar com este novo padrão de 2h30 para qualquer filme. Em duas horas esta estória estaria muito bem contada. Há muito o que poderia ter sido cortado sem prejuízo para a narrativa.

Também, principalmente em razão da proximidade do lançamento deste filme com Batman vs Superman (clique no título para ler o pitaco), é inevitável comparar as experiências cinematográficas da Marvel com a da DC Comics. Apesar de a primeira já estar em seu 13º filme enquanto a outra está iniciando agora sua aventura cinematográfica, algumas lições poderiam ser aprendidas por esta, como criar um roteiro que apesar de ter muitos acontecimentos não é confuso, bem como criar empatia com os personagens. Um pouco de leveza também não faria mal para a DC, que fez de Batman vs Superman um filme de entretenimento excessivamente pesado (e fraco). Para ler mais sobre essa comparação, sugiro esta análise do crítico do UOL, Roberto Sadovski.

Impressionante notar como a Marvel se reposicionou no imaginário popular. Nos anos 80 e 90 o Homem de Ferro e o Capitão América eram quase que ignorados pelas crianças (pelo menos no Brasil), sendo que o Hulk e o Homem-Aranha eram os únicos super-heróis relevantes da Marvel. Hoje eles conseguiram a proeza de ter seus outros personagens competindo em igualdade (se já não superaram) os mitológicos Batman e Superman, graças ao sucesso de seus personagens no cinema e nos videogames. 

E agora, respondendo à pergunta lá do início, este não é o melhor filme de super-heróis de todos os tempos, como alguns estão dizendo. Cito facilmente diversos melhores, como Homem-Aranha 2, Batman: O Cavaleiro das Trevas e Capitão América: O Soldado Invernal. O ponto principal é ter alguns problemas de roteiro já apontados, como a má-inclusão do Homem-Aranha no time, sua duração excessiva e não ter uma estória tão cativante quanto a destes citados. 

A Marvel encontrou uma fórmula de sucesso, unindo bom desenvolvimento de personagens, amizade entre os heróis, humor e boas cenas de luta. Isso fez com que ela se acomodasse um pouco e ficasse pouco criativa, o que é normal considerando que aos olhos dos executivos o objetivo maior é ganhar bilhões de dólares. Ao menos, a despeito da falta de ousadia, o filme não desrespeita a inteligência do espectador, nem conta uma estória confusa ou chata.

Capitão América: Guerra Civil é um bom filme de entretenimento e sabe conduzir sua estória. Poderia ser um pouco mais enxuto em sua duração e ter deixado suas sequência de ação com takes mais longos. Mas cumpre o principal para este tipo de filme, que é divertir. 

Nota: 6

O Homem Duplicado

Espelho, Espelho Meu

Enemy, Dir: Denis Villeneuve, Canadá/Espanha/França, 2013, 1h31min
IMDB                 Trailer                 Roteiro

E se um dia você descobrisse que existe uma outra pessoa exatamente idêntica a você (e que não é seu irmão gêmeo desconhecido)? O Homem Duplicado tenta explicar o que poderia acontecer se algo assim ocorresse.

No filme, conhecemos Adam, um professor de História acanhado e anti-social que vive uma vida bem monótona, resumida a dar aulas, ir pra casa e fazer sexo com sua namorada. Todos os dias. Um dia, um colega querendo puxar conversa lhe recomenda um filme pouco conhecido. Como ele não tinha nada melhor pra fazer, ele o aluga. Eis que neste filme ele se depara com um ator que é exatamente idêntico a ele e então decide ir atrás desse seu outro.

O roteiro baseia-se no livro homônimo do português José Saramago, que gosta de contar estórias estranhas que flertam com o fantasioso, como Ensaio sobre a Cegueira e a Jangada de Pedra. Não li o livro e desconheço seu tom, mas o filme é extremamente perturbador, desde a primeira cena (que traz uma lembrança de De Olhos Bem Fechados do mestre dos mestres Stanley Kubrick). Não é recomendável para quem gosta de tudo explicadinho, pois o filme, assim como o clássico hitchcockiano Os Pássaros, não dá explicação da pergunta mais básica: como? 

Conheci o badalado Denis Villeneuve recentemente com Sicario (clique para ler o pitaco), e posso dizer que ele já está se tornando um dos meus diretores favoritos. Ele sabe como poucos o que é a arte cinematográfica. Não há cenas inúteis, todos os elementos caminham para formar um todo. Mas também não há pressa em contar a estória e muitas vezes vemos cenas que mostram os atores em cena somente refletindo, sem dizer nada. Alguns acham este recurso cansativo, e realmente pode ser quando desnecessário. Mas Villeneuve sabe colocá-lo em razão do objetivo, que é contar sua estória. E faz isso em econômicos 90 minutos, provando que, ao contrário da moda atual, um filme pode ser bom em menos de 2 horas. Como sua filmografia não é extensa, em breve pretendo analisar todos os seus filmes aqui no Pitacos. 

Depois que o Leo DiCaprio ganhou o Oscar e começou a campanha de quem é o próximo que merece ganhar e ainda não ganhou, um dos meus favoritos é o duplo protagonista Jake Gyllenhaal. Ao contrário de DiCaprio, ele às vezes pega uns filmes blockbusters pra engordar a conta bancária, mas quando resolve trabalhar sério tem atuações marcantes. Suas performances em O Segredo de Brokebak Mountain (pelo qual ele recebeu sua única indicação ao prêmio) e Soldado Anônimo são marcantes. Neste filme, ele consegue criar dois personagens que podemos distinguir somente com sua linguagem corporal. Também no elenco Mélanie Laurent (a judia vingadora Shoshanna do tarantinesco Bastardos Inglórios).

Como dito, o filme é perturbador em toda a sua projeção. E para que esse efeito seja produzido no espectador há uma total interação entre roteiro, direção, atuações e trilha sonora. Tudo funciona bem. Não que este filme seja um marco na Sétima Arte, mas é um filme bem pensado em todos os seus aspectos.

O Homem Duplicado, assim, não é um filme agradável. Mas vale à pena para quem quer ver um filme tenso e bem feito.

Nota: 7

O Ditador

O Pequeno Ditador

The Dictator, Dir: Larry Charles, EUA, 2012, 1h24min
Netflix            IMDB                 Trailer                 Roteiro

Sacha Baron Cohen é famoso por seus personagens exóticos com sotaques estranhos e humor mais que politicamente incorreto. Funcionou na primeira vez com Borat, mas as produções sequentes Brüno e este O Ditador foram uma descida ladeira abaixo, não pelo politicamente incorreto, mas pela absoluta falta de graça com piadas vulgares e escatológicas.

No filme, Cohen interpreta o almirante-general Aladeen, o megalômano ditador de Wadyia, um país norte-africano. A inspiração é claramente no finado Muamar Kadafi, tirano maníaco sexual e playboy que governou a Líbia até a revolução que o derrubou. Na trama Aladeen está sendo pressionado pela ONU e pelas potências mundiais a liberar o acesso de inspetores a seu programa nuclear, e é pressionado a discursar na Assembléia Geral das Nações Unidas para evitar ataques preventivos a seu país. 

No início existe até uma certa graça em retratar os exageros narcisísticos do ditador. Ele chega ao cúmulo de criar a própria Olimpíada para ganhar várias medalhas. E altera o idioma para incluir seu nome como substituo para várias palavras, o que gera uma grande confusão na comunicação. Mas quando ele vai pra Nova York, aí a graça desaparece. Começa a ser uma sucessão de insultos e baixaria sem fim, a maior delas sobre seu par romântico, a esquerdista Zoey. A obsessão com piadas envolvendo sexo e pelos nas axilas da moça não tem fim (e nem graça). O filme acaba se resumindo a essas grosserias, como foi feito em Brüno.

Em Borat, Cohen, apesar das mesmas vulgaridades, criou humor em retratar os preconceitos dos cidadãos comuns dos EUA. Em Brüno e O Ditador sobraram somente as vulgaridades. Lamentável ver um artista que parecia ter um humor característico não conseguir sair do lugar.

O Ditador é um filme extremamente politicamente incorreto, vulgar e grosseiro. Há poucas coisas realmente engraçadas, o que deveria ser o propósito de um filme de humor. Recomendável somente para quem não superou o humor bobo e pesado da adolescência. 

Nota: 2

Django Livre

A Vingança dos Negros

Django Unchained, Dir: Quentin Tarantino, EUA, 2012, 2h45min
Netflix           IMDB                 Trailer                 Roteiro

Antes do recente Os Oito Odiados, Quentin Tarantino já havia contado uma estória passada no Velho Oeste em Django Livre. E de maneira muito superior ao seu mais novo filme.

No filme, acompanhamos a saga do escravo Django, que é comprado e alforriado pelo caçador de recompensas alemão Dr. Schultz para que o ajude a localizar alguns alvos que antes haviam sido seus feitores. No percurso, Django conta a estória de que foi separado de sua esposa e o assassino profissional decide ajudá-lo a ir buscá-la.

Tarantino aqui está em sua melhor forma tanto como diretor quanto como roteirista (tendo recebido seu segundo Oscar por roteiro original). Seus estilo de diálogos marcantes está muito afiado, com várias frases dignas de citação. A violência escatológica lembra em alguns momentos a de Kill Bill. E o humor é uma constante, especialmente quanto ao estilo culto e refinado do Dr. Schultz. Ao contrário de Os Oito Odiados, Django Livre apresenta uma grande variação de cenários e situações, sendo muito mais dinâmico que aquele. 

Tarantino, o cara esquisito que trabalhava na videolocadora e curtia todo tipo de filme B, sempre mostrou forte influência do subgênero western spaguetti (ou bangue bangue à italiana, como ficou conhecido no Brasil dos anos 70), marcado por produções italianas de baixo orçamento, com atores que tinham que ser dublados por não falar inglês, protagonizadas por anti-heróis, com muitos tiros e forte teor cômico e teatral, servindo como sátira ao heroico gênero americano do Western. Em Kill Bill tal influência já era muito nítida, especialmente dos filmes de Sergio Leone (em especial a "Trilogia do Dólar": Por Um Punhado de Dólares, Por Uns Dólares a Mais e Três Homens em Conflito) que estendia ao máximo a adrenalina que antecedia os conflitos, resolvidos de forma bem rápida. Aqui Tarantino vai pro mesmo cenário de seus mestres do subgênero e consegue parear com eles, se não superá-los.

Tarantino foi muito criticado por usar em seus filmes a palavra "nigger" ("crioulo", mas com muito mais peso e que mal pode ser dita nos EUA dos dias atuais). Curiosamente parece que poucos notam que ele sempre colocou negros em papéis de destaque em seus filmes e que neste a vingança do protagonista contra os brancos representa todo o ódio que séculos de escravidão produziram, claramente sendo favorável ao lado dos negros oprimidos (sem que os transforme em coitadinhos), e não dos brancos opressores do Ku Klux Klan (os quais ele ridiculariza neste filme). Acusar Tarantino de racismo, assim, é coisa de quem precisa compreender melhor o contexto. 

Ainda que quase todos os personagens sejam caricaturais, as atuações são espetaculares. Não é pra menos com o elenco reunido, que conta com a dupla de protagonistas já oscarizados à época, Jamie Foxx e Christoph Waltz (que conquistou sua segunda estatueta com o trabalho), além dos antagonistas, o recém-premiado Leo DiCaprio e o indicado Samuel L. Jackson.  Também no elenco a bela e talentosa Kerry Washington no papel da esposa de Django, e pequenas pontas de atores de renome, como Jonah Hill (que não mereceu mas já contabiliza duas indicações ao Oscar), Bruce Dern, Don Johnson e Franco Nero (protagonista do filme que inspirou o título, Django).

A parte técnica é cheia de caprichos tarantinescos: cenas filmadas por cima, figurinos caricatos, close-ups rápidos e, claro, litros de sangue jorrando pela tela. A fotografia (indicada ao Oscar) é linda, com os belos cenários selvagens da América inexplorada e das plantations de algodão do Sul.

Django Livre é um dos melhores Westerns já produzidos. Violento e divertido sem que por isso seja vulgar. Um prato cheio pra quem gosta de bom cinema e não se incomoda com os exageros tarantinescos.

Nota: 10

Batman vs Superman

Confronto Precoce 

Batman v Superman: Dawn of Justice, Dir: Zack Snider, EUA, 2016, 2h31min
IMDB                 Trailer 

[SEM SPOILERS - O que será contado aqui já era de conhecimento geral pelos trailers que mostraram bem mais do que deviam]

Juntar os dois maiores super-heróis do imaginário popular, Batman e Superman, não poderia dar errado, não? Nas bilheterias e para os fãs de quadrinhos, Batman vs Superman: A Origem da Justiça já é um sucesso. Agora pra quem gosta de cinema, hum...

Escrevo este pitaco como fã de cinema, pois, nada contra, mas não sou fã de quadrinhos. Isso não quer dizer que estarei colocando este filme ao lado de filmes clássicos como O Poderoso Chefão ou filmes cult "estrangeiros" como O Segredo dos Seus Olhos. Sempre analiso filme voltados para o entretenimento dentro de seu contexto: produções feitas para faturar muito dinheiro. No entanto, os milhões de dólares gastos pelo público devem ser respeitados, por isso uma estória bem contada é o mínimo que os realizadores deveriam entregar. Infelizmente, não foi o caso aqui.

Batman vs Superman, apesar do título, é uma continuação do filme de 2013 O Homem de Aço no qual o Superman foi apresentado e em sua luta contra o vilão Zod destruiu metade de Metrópolis. O filme inicia-se aqui, mostrando como foi essa destruição na visão de Bruce Wayne. Tal acontecimento faz ele temer o poder quase infinito do Homem de Aço, e decide que ele tem de acabar com essa ameaça. Como já mostrado no trailer, depois surge uma ameaça maior, Zod transformado em monstro, e aos heróis se junta a mulher maravilha.

Todo o filme se inicia por um roteiro é aqui que estão os maiores problemas de Batman vs Superman. O maior é ter um excesso de tramas para contar e não desenvolver adequadamente nenhuma delas. Há um thriller político, que busca analisar o impacto da existência do Superman para a humanidade, há uma discussão filosófica sobre o mito divino ter se encarnado no personagem, há o romance entre Clark e Lois, há a relação de Clark com seus pais, há a parte de detetive e de pesadelos protagonizada pelo Batman, Lois Lane também realiza uma investigação, há uma pequena trama envolvendo a Mulher Maravilha, há a trama de Lex Luthor buscando ganhar acesso às tecnologias kriptonianas e há, ainda, uma rápida aparição dos demais personagens da futura Liga da Justiça: Flash, Aquaman e Ciborgue. E muda de um para outra trama sem pudores. Parece que o espectador está na TV mudando de canal a cada 5 minutos, vê um pouco de uma trama, depois vê um pouco de outra, e assim vai progredindo.

Assim o filme é raso e complicado, ainda que possa parecer que tais termos são contraditórios. Parece alguém contando um fato comum de forma atrapalhada. Algumas das tramas mal contadas, como a do Superman ser a concretização do mito divino, poderia ter sido melhor desenvolvida, o que proporcionaria um um filme muito melhor. Fica a sensação de que o roteiro desperdiçou boas tramas e desgastou a reputação de dois dos mais icônicos personagens dos quadrinhos e também do cinema.

Há também um problema para o espectador não iniciado no mundo dos quadrinhos com relação às referências aos gibis (neste site há várias delas). Há trechos em que o sentido é um para quem conhece o contexto dos personagens nas HQs e outro para quem só os conhece pelas telas. E o mencionado personagem Ciborgue só soube quem é por conversas com amigos fãs de quadrinhos que o conhecem. Ou seja, não há uma boa apresentação de personagens, fazendo essas aparições parecerem um teaser trailer dos filmes de personagens da DC que virão a seguir. 

Tudo isso revela que a DC percebeu o colosso que sua concorrente Marvel criou nos cinemas com suas estórias de super-heróis e quis correr atrás do prejuízo. De forma bem afobada. Muito melhor seria primeiro fazer um novo filme de cada um dos membros principais da Liga da Justiça para então fazer o confronto entre os maiores super-heróis e a criação do grupo. Da maneira que foi feito, o confronto aparentou ser precoce, não se criou uma expectativa em filmes anteriores, como a Marvel habilmente fez ao ir plantando sementes de discórdia entre o Homem de Ferro e o Capitão América que irá gerar um filme sobre o embate, o futuro lançamento Capitão América: Guerra Civil. 

Algumas das cenas de ação são interessantes, especialmente o esperado confronto entre os heróis. Ainda que se pensasse que o Batman não seria páreo para o Superman, o confronto é bastante equilibrado (e um pouco de kriptonita ajuda bastante). As cenas do Batman com seus veículos também são interessantes, mas inferiores aos mostrados na última trilogia do homem morcego dirigida por Christopher Nolan (produtor deste filme). De ruim, o confronto com o vilão, extremamente exagerado em pirotecnias, assim como o confronto final de O Homem de Aço ou a luta entre Obi Wan e Anakin em Star Wars: A Vingança dos Sith. Cenas de ação com menos explosões, fogo e cenários de impacto normalmente são superiores.

Com um roteiro tão lotado de tramas e com cenas curtas, as atuações não tem grande espaço. E pior ainda fica a direção de atores de Zack Snider, que deve querer só grandes expressões marcantes e não atuações sutis. Ben Affleck e Henry Cavill não fazem feio, mas com esse tipo de direção pouco puderam mostrar além de expressões boas pra fotos, não pra cinema. Destaque para Jesse Eisenberg, que intepreta um Luthor adequado aos tempos de magnatas nerds e descolados do vale do Silício, fugindo da comparação com o estilo de nobre refinado adotado pelos ótimos intérpretes anteriores, Gene Hackman e Kevin Spacey, ainda que alguns critiquem essa transformação no caráter do personagem. 

O diretor tem sido bastante criticado por todos. Famoso por 300, sua composição visual abusa de câmeras lentas e quadros marcantes como nas HQs, como uma tela a ser emoldurada. A fotografia segue o mesmo problema de O Homem de Aço de usar baixa saturação e sombras marcantes. Tudo fica muito escuro e cinzento, como mostra este vídeo. Serve bem pro Batman, cinzento por natureza, mas não pros demais heróis coloridos.

Batman vs Superman: A Origem da Justiça desperdiça o potecial que seria a junção de seus heróis e não é um filme marcante para a Sétima Arte, como foram filmes anteriores de seus heróis, como Superman: O Filme e Batman: O Cavaleiro das Trevas, obras pensadas como filmes para o grande público baseados em personagens de HQs e não como obra mais voltada para o nicho dos fãs de quadrinhos, o chamado fan service. Vai agradar a esse público específico mas muito dificilmente aos leigos em quadrinhos.

Nota: 4