O Lagosta

Casa quando?

The Lobster, Dir: Yorgos Lanthimos, Grécia/Irlanda/Reino Unido/Países Baixos/FRA, 2015, 1h59min
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"Nossa, e quando que você vai arrumar um namorado? E casar? E ter filhos?"

Muitos e muitas já devem ter ouvido essas perguntas. E se além da tia inconveniente toda a sociedade começasse a se preocupar com isso. E mais, não somente se preocupasse, como tornasse crime o fato de uma pessoa ser solteira? Esse é o futuro próximo distópico apresentado em O Lagosta.

A trama é ainda mais louca. Aqueles que estão solteiros são obrigados a irem para um hotel onde devem arrumar um par em 45 dias. E quem não consegue é transformado em um animal (e o título do filme se deve ao fato do protagonista desejar se tornar uma lagosta). Sim, o filme trata de um exemplo absurdo.

Mas em meio a esse absurdo alegórico temas sérios são discutidos. Fica claro que o controle social é o tema mais destacado. E um desdobramento dele é o totalitarismo desta sociedade antisolteirice. E mais, depois seremos apresentados ao grupo marginal que vive na floresta de solteiros convictos, para os quais qualquer relacionamento afetivo é punido com penas corporais. Pois é, numa análise sociológica de boteco, seria o que Hannah Arendt definiria como dois grupos totalitários, faces da mesma moeda, tal como os liderados Hitler e Stálin.

O roteiro é muito inteligente. A estranha sociedade futurista não é explicada com títulos iniciais ou diálogos expositivos, formas bem comuns porém bem preguiçosas de inserir o espectador em um novo universo. Aqui, aos poucos vão sendo dados elementos que permitem que o espectador entenda como funciona essa maluquice - para muitas mulheres talvez a maior maluquice (e pesadelo) seria o fato de que no hotel todas tem de usar na festa para se aproximar de pretendentes o mesmo vestido.

O filme pode ser considerado uma comédia, mas não esperem sessões de muitas risadas. Seu humor é bem britânico, carregado de sarcasmo. E há momento em que ele força ainda mais a estranheza presente ao longo de todo o filme, como em conversas em tom bastante frio e formal as pessoas passam a falar de sexo. Lembra um pouco a quebra de tom que Wes Anderson empregou em O Grande Hotel Budapeste. Muitas reviravoltas irão acontecer constantemente na história. Apesar de sua qualidade, a história começa a ficar cansativa na segunda metade, e faltou um final coeso.

As atuações todas são ótimas. Liderando o elenco está Colin Farrell, interpretando um homem tímido e introspectivo. Ao mesmo tempo em que ele tem dificuldades em lidar com outros seres humanos devido a uma certa antissociabilidade e que se sente oprimido pelo ambiente controlador ele também tem um desejo muito intenso de se conectar afetivamente. Sua interpretação é fria e distante com um tom de voz maquinal, e ele tem de passar muito de seus sentimentos somente com sua expressão facial. Merecia ter sido lembrado pelo Oscar. No elenco também estão Rachel Weisz, Léa Seydoux, John C. Reilly e Ben Winshaw.

O filme claramente não tem um orçamento muito grande e o futurismo fica só nas situações, pois os objetos de cena e o figurino são os mesmos dos dias atuais. Mas essa ótima história não precisava de shows pirotécnicos hollywoodianos. A fotografia é discreta, bastante acinzentada, combinando com o formalismo distante da sociedade retratada. A direção do grego Yorgos Lanthimos (que também é corroteirista do filme), especialmente em seu trabalho com o elenco, é ótima. Sua trilha sonora com um toque de violino repetitivo soa ao mesmo tempo formal, dramática e ridícula, bem ao estilo de todo o filme.

O Lagosta é um bom filme, seria ótimo se tivesse mantido o ritmo em seu final e se tivesse se encerrado de forma mais coesa. Não é pra todos os públicos já que seu humor é bem peculiar, cínico, violento e negro. Recebeu somente indicação a melhor roteiro original no Oscar mas poderia ser lembrado em outras categorias, especialmente de ator principal.

Nota: 7

Até o Último Homem

O Salvador

Hacksaw Ridge, Dir: Mel Gibson, EUA, 2016, 2h19min
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Muitas pessoas tremem de medo (com razão) só de pensarem na possibilidade de ir para uma guerra. E se fosse para uma unidade de combate? E além de ir você fosse desarmado? E voluntariamente? Essa foi a proeza do herói de guerra americano Desmond Doss, em que se baseia o filme Até o Último Homem.

Doss era um socorrista militar que se recusava a usar armas em combate por princípios religiosos e mesmo assim salvou dezenas de colegas na Batalha de Okinawa da 2ª Guerra Mundial, recebendo a maior condecoração militar dos EUA, a Medalha de Honra (leia mais sobre ele na Wikipedia).

Filmes de guerra americanos facilmente caem numa patriotada exagerada. Aqui Mel Gibson consegue escapar desse exagero, focando mais no aspecto da camaradagem e solidariedade dos homens da tropa em meio aos horrores da guerra, lembrando a ótima série Band of Brothers. Mas isso não o impede de cair em alguns excessos típicos do cinema holywoodiano, como retratar os soldados japoneses como selvagens, filmando-os correndo desenfreadamete em direção aos inimigos parecendo zumbis. Também consegue não tornar seu filme uma pregação religiosa, pois a fé do personagem não é analisada a fundo, é apenas um traço dele que deve ser respeitada. 

Mel Gibson gosta de sangue, mas aqui está até bem contido, já que não se demora a mostrar o sofrimento causado pelos ferimentos. Apesar de mostrar muita violência, na maioria das cenas os estragos causados por granadas e balas de fuzil são mostrados de forma rápida, não esticando demais o sofrimento visual aos espectadores, ao contrário das cenas agonizantes que produziu em A Paixão de Cristo.

Tecnicamente o filme falha bastante em alguns aspectos. Os efeitos visuais são muito ruins, com um CGI que faz certas sequências parecerem jogo de Playstation 2, estando uns 15 anos atrás em termos tecnológicos. A cenografia e a fotografia são fracas, visivelmente o filme foi feito com baixo orçamento, tendo de repetir constantemente o mesmo cenário e fazer muitas cenas externas em estúdio. Mas há algumas boas cenas de batalha, em que é possível compreender tudo que ocorre e Mel Gibson consegue imprimir o tom dramático correto em quase todo o filme.

Andrew Garfield tem uma atuação irregular. Em muitos momentos vai bem, criando empatia com o público, mas em outros parece não ter achado o tom, alternando entre o homem muito bonzinho ou até meio bobo que não para de sorrir em situações sérias. Hugo Weaving, o eterno agente Smith, interpreta bem o pai de Desmond Doss, um veterano da primeira Guerra, alcóolatra, agressivo e amargurado. Também estão no elenco Sam Worthington, um tanto esquecido após Avatar, e Vince Vaughn, mais conhecido por comédias bobas aqui fazendo um bom trabalho em um papel sério.

Foi indicado em 6 categorias no Oscar: filme, direção, ator principal, edição, edição de som, mixagem de som. É o favorito em edição de som (os efeitos de som criados para o filme, como som de tiros), categoria tradicionalmente vencida por filmes de guerra, e pode ter algum chance em mixagem de som (a combinação de todos os elementos sonoros) mas está praticamente fora do páreo nas demais categorias.

Até o Último Homem é um bom filme de guerra. Não é muito acima da média, como deveriam ser os filmes disputando o Oscar, e nem um clássico do gênero, mas consegue ser mais do que um amontoado de clichês do estilo.

Nota: 6

Manchester à Beira-Mar

Fria solidão 

Manchester by the Sea, Dir: Kenneth Lonergan, EUA, 2016, 2h16min
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Se você está passando por um momento difícil, triste e deprimido, é melhor passar bem longe de Manchester à Beira Mar. Um suicida então vai levar a cabo seu desejo se vir ao filme. Esta é provavelmente a obra mais melancólica na disputa do Oscar 2017. 

A trama conta a história de Lee, um zelador de Boston que retorna à sua pequena cidade natal de Manchester após a morte de seu irmão e descobre que ele deixou um testamento nomeando-o tutor de seu sobrinho.

Lendo assim parece ser um história não tão interessante. Mas há muito a ser revelado sobre o passado do protagonista e mostrando que ele é bem mais do que parecia ser. Logo de início percebemos que algo de muito errado ocorreu que fez Lee se afastar de Manchester, onde todos o olham com desconfiança, para ser um solitário em meio a multidão de Boston. 

Enquanto se desenrola a narrativa principal, vários flashbacks são inseridos como que peças de um quebra-cabeças a ser montado pelo espectador. Ao final nem todas as peças são fornecidas, mas todas são ao menos mencionadas, permitindo que tudo seja compreendido. As duas narrativas fluem bem, ainda que de forma bem lenta, captando a atenção do espectador ao longo de mais de 2 horas.

Obviamente o filme trata de luto. Mas também é uma grande análise sobre arrependimento e superação. E há um embate constante entre a alegria do sobrinho com vida social agitada e seu tio antissocial, agressivo e melancólico.

Casey Affleck vai muito bem, deixando claro que por baixo de toda a aparência de indiferença e isolamento há muita tristeza escondida. Ele é o favorito ao prêmio de melhor ator e se ganhar será com mérito. Já os coadjuvantes não justificam suas indicações. Michelle Wiliams tem uma atuação forte, mas tem muito pouco tempo no filme, provavelmente menos de 10 minutos. Talvez tenha sido indicada por, em sua 4ª indicação, ter entrado na categoria de queridinhas da Academia (da qual Meryl Streep é a presidente hors-concours). Lucas Hedges não vai mal mas não apresenta uma atuação boa o suficiente para ser premiada. Até mesmo o aqui criticado no pitaco de Animais Noturnos Aaron Taylor-Johnson, vencedor do Globo de Ouro, merecia mais a indicação

A direção é discreta, se concentrando essencialmente nas atuações. Há algo de teatral aqui, uma forma de fazer cenas fortes para seus atores se destacarem. A fotografia casa bem com o tom do filme, optando por cores frias em meio ao rigoroso inverno de Massachussets, realçando a melancolia da história.  

No Oscar 2017, além das mencionadas indicações a melhor filme e atuações, também foi indicado a melhor roteiro original e direção. Esta última é questionável, pois Kenneth Lonergan faz um filme forte porém no qual seu trabalho é bem discreto. Provavelmente outros diretores tinham mais méritos aqui. Em breve isso será melhor analisado quando sair a lista de Indicados do Pitacos.

Manchester à Beira Mar traz uma história muito amarga, a qual o espectador tem de estar disposto a consumir. Não é um filme feliz, que ofereça esperança ou nada parecido. É um estudo sobre a dor e como encará-la. Seu mérito é construir inteligentemente seus dramas e somente aos poucos ir revelando o passado do protagonista.

Nota: 7

Estrelas Além do Tempo

Figuras escondidas

Hidden Figures, Dir: Theodore Melfi, EUA, 2016, 2h06min
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É comum que se diga que histórias reais grandiosas mereçam um filme. O problema é que quase sempre esse filme é bem quadradinho. É o que temos em Estrelas Além do Tempo (ah, esses títulos "poéticos" em "brasileiro").

A trama narra a história de três mulheres negras que fizeram carreiras de sucesso na NASA. O filme delimita-se (corretamente) a mostrar apenas o início de suas trajetórias em 1961, período do início da corrida espacial e também da luta pelos direitos civis.

Como já colocado em diversos outros pitacos (especialmente os que tratam de filmes que tem por tema alvos de preconceito), um tema pode ser ótimo e a história pode ser péssima. A trajetória de sucesso dessas mulheres realmente é admirável. Mas os contadores da história são terríveis.

Tudo em um filme começa no roteiro. E o do filme é apenas um amontoado de clichês e pieguice, que parte da premissa de que o público é burro e que tudo, absolutamente tudo, tem de ser explicado de forma que uma criança entenda (muitos filmes infantis são mais sutis). Tudo é colocado de maneira muito direta, excessivamente didática, com a sutileza de um elefante. Parece que foi escrito por aquela professora chata que levanta a voz e diz "isso é importante". O tempo todo. Há aqueles "discursos inspirados" em que todos param o que estão fazendo para ouvir uma pessoa se queixando da injustiça. Há cenas ilustrativas para os preconceitos, como o fato de uma das protagonistas não poder compartilhar a cafeteira com seus colegas de equipe. E há cenas até repetitivas, como a protagonista correndo toda desequilibrada para ir ao banheiro de negras que ficava longe de sua sala. E o pouco de humor que o filme tenta colocar não funciona. A única coisa louvável no roteiro é mostrar que o racismo era disseminado e que os negros, independentemente de seu talento, eram tidos como cidadãos de segunda classe. Absurdamente, esta narrativa sem qualquer sutileza ou criatividade foi indicada ao Oscar de roteiro adaptado.

Com um roteiro desses não se pode exigir muito do elenco. E realmente o filme consegue fazer com que quase todos os atores atuem de forma dura. A única que consegue mostrar um pouco de talento é a protagonista Taraji P. Henson. Jim Parsons faz apenas uma versão um pouco mais sociável de seu Sheldon de The Big Bang Theory. Até mesmo o bom Mahershala Ali (que é quase certo que vai ganhar o Oscar de coadjuvante por Moonlight) atua em piloto automático aqui. O mesmo vale para Kevin Costner e Kirsten Dunst. E Octavia Spencer não justifica de forma alguma sua indicação ao Oscar de melhor atriz coadjuvante.

A parte técnica também não foge dos clichês e da falta de sutileza. E isso começa logo no início, na transição da cena inicial da infância da protagonista em cores amareladas mudando para um colorido vivo durante uma panorâmica com movimento de câmera para destacar a mudança de tempo. A cenografia é bem pobre, com cenários da NASA parecendo que foram construídas pelos cenógrafos de novelas brasileiras que fazem com que tudo pareça estar arrumadinho. E há até um anacronismo politicamente correto, pois em salas lotadas da NASA de 1961 não há ninguém fumando. 

É comum que filmes medianos sejam indicados ao Oscar, como Philomena e O Jogo da Imitação. Alguns até ganham o prêmio principal, como O Discurso do Rei. Mas Estrelas Além do Tempo não é mediano, é ruim, fazendo com que suas três indicações (filme, roteiro adaptado e atriz coadjuvante) soem todas como piadas. Assim fica parecendo que as indicações são uma reação ao tão merecidamente criticado #OscarSoWhite do ano passado, e o que é pior, faz parecer um favor condescendente aos negros. E neste ano era completamente desnecessário tal favor, tendo em vista que há outros filmes de temática negra na disputa (Um Limite Entre Nós e Moonlight) e de que negros foram indicados a melhor ator em todas as categorias.

Estrelas Além do Tempo quer contar uma história bonita. Mas o faz de forma bobinha, parecendo ser contado para criancinhas. Talvez agrade aos fãs de filminhos água com açúcar da Sessão da Tarde. Um dos piores filmes já indicados ao Oscar. Deveria concorrer ao Framboesa de Ouro.

Nota: 3

La La Land

City of Stars 

Dir: Damien Chazelle, EUA, 2016, 2h08min
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Vale à pena sonhar ou devemos "amadurecer" e viver com o pé no chão? Esse é o dilema que move La La Land.

Com 14 indicações ao Oscar (filme, diretor, ator, atriz, roteiro original, fotografia, edição, design de produção, figurino, edição de som, mixagem de som, trilha sonora e duas indicações a melhor música) La La Land iguala o recorde de indicações de Titanic e A Malvada. E é forte candidato a igualar ou até superar os campeões de prêmios (Titanic, Ben-Hur e O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei) com 11 vitórias.

Na trama, Mia, uma garota que sonha ser estrela de cinema, e Sebastian, um pianista que sonha abrir um clube de jazz, passam por encontros e desencontros em Los Angeles em sua busca pelo sucesso.

Este é o segundo trabalho do jovem diretor e roteirista Damien Chazelle, que foi ovacionada pelo seu ótimo Whiplash. Curiosamente, o tema principal de Whiplash e deste La La Land é o mesmo: a busca pelo sucesso. Mas enquanto aquele focava no esforço físico e na determinação, este se concentra nos sonhos que temos e as forças que nos levam a querer desistir deles.

O filme combina fantasia com realidade de forma perfeita. E nos faz lembrar o quanto o cinema pode dar asas a nossa imaginação, tornando tudo possível. Há dois tipos de sonhos, os que são pura fantasia, como dançar no espaço (lindamente encenado no filme) e os concretos, como os sonhos do que "queremos ser quando crescer". 

A narrativa lida com os dois tipos mas fica focado no segundo. Mia e Sebastian têm sonhos, mas também tem contas a pagar. E daí surge a pressão social para aceitar uma vida comum seguido pela maioria da sociedade, que massacra aqueles que se permitem sonhar depois de adultos.

La La Land também representa uma homenagem ao gênero dos musicais, que teve seu auge na década de 1950. Há várias referências a muitos filmes do gênero, especialmente a Cantando na Chuva, mas há cenas de referência a filmes mais recentes, como Moulin Rouge!. É interessante notar que a história de Mia, de uma garçonete que se torna estrela, é a história da vida de boa parte das estrelas de Hollywood, incluindo aí a protagonista Emma Stone. Já a história de Sebastian, que quer fazer sucesso com jazz, um gênero considerado ultrapassado, é uma metáfora para o próprio La La Land, que quer fazer sucesso com um gênero de cinema que já viveu seus dias de sucesso.

Los Angeles tem um papel importante na trama. A cidade, no imaginário popular, é o local do glamour e do sucesso. Justamente por isso também é o lugar do fracasso. E é esse o maior medo de Mia e Sebastian. E Damien Chazelle consegue mostrar só o lado mais bonito de uma cidade que na vida real é um local famoso por não ter uma identidade bem definida e não ser conhecida por sua beleza.

Emma Stone e Ryan Gosling conseguem uma ótima química, essencial ao filme. Gosling tem alguns momentos sutis de humor físico, que já demostrara no recente Dois Caras Legais. E Stone tem muita expressão em seus grandes olhos e uma voz apaixonante.

Tecnicamente o filme é um fantástico. As cores primárias saltam aos olhos. A câmera parece pairar no ar. Seus diversos planos sequência, como o da abertura, fazem com que o filme seja um encontro entre Birdman e Grease, como dito por uma produtora. E a trilha sonora gruda em nossos ouvidos. Muitos vão se pegar assoviando o tema City of Stars (aliás, Oscar garantido aqui).

Voltando a discutir o Oscar, a única indicação que pode ser questionada é a de roteiro, pois é uma estória de amor um tanto básica, até previsível. Mas seu desfecho é tão bom que o qualifica para a categoria. Nas demais indicações, todas tem seus méritos. Certamente será o campeão de prêmios da noite. 

La La Land é uma volta ao tempo em que o cinema era o veículo que tornava nossos sonhos possíveis. E mesmo assim consegue ser bastante atual e não cair no puro escapismo. Cinema feito para o coração, sem descuidar do intelecto.  Um filmaço!

Nota: 9

P.S: O filme no Brasil ganhou o subtítulo Cantando Estações. Pitacos Cinematográficos a partir de agora vai abandonar esses subtítulos inúteis da versões nacionais. Portanto La La Land é só La La Land e Moonlight será só Moonlight.

A Qualquer Custo

Polícia e bandido

Hell or High Water, Dir: David Mackenzie, EUA, 2016, 1h42min
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Os bancos te sacaneiam? Então sacaneie os bancos. Desta lógica surge a trama de A Qualquer Custo.

Indicado a quatro Oscars (filme, ator coadjuvante, edição e roteiro original), a trama mostra dois irmãos assaltantes de bancos do Oeste do Texas, região já naturalmente isolada e atualmente bastante empobrecida após a crise de 2008, apesar de seus inúmeros poços de petróleo. Para evitar chamar a atenção da polícia, os dois fazem apenas roubos em pequenas agências levando quantias pequenas em notas de baixo valor. No entanto, um policial teimoso em fim de carreira consegue perceber que eles não estão agindo aleatoriamente mas que possuem um plano e um fim para o dinheiro. Mais por teimosia do que por qualquer outra coisa, decide ir atrás.

Tudo no filme é áspero. O cenário, os personagens, o roteiro e a direção. Não há espaço para refinamento em nada. Tudo é bastante direto. Estamos em terras de cowboys que mantém sua tradição, homens rudes magistralmente retratados pelo patrulheiro vivido por Jeff Bridges. Para muitos deles o politicamente correto não chegou, e preconceitos, racismo, belicismo e grosserias são padrão. Neste cenário o filme irá tratar de temas como justiça, lealdade, fraternidade e com a preocupação do futuro dos filhos. 

O roteiro original de Taylor Sheridan (autor do ótimo Sicario) tem uma trama simples, porém seus personagens são repletos de ambiguidade. Os protagonistas são bandidos, mas nunca eles são retratados como heróis ou vilões. São apenas homens que tomaram uma decisão empurrados pela sua condição de vida ruim, e que sabem que terão de pagar por seus atos. Os policiais antagonistas tampouco merecem grandes elogios, já que o principal é um velho branco que se sente no direito de ofender a quem quiser.  Vilão de verdade aqui é somente o sistema bancário que levou à crise que empobreceu as pessoas, o que cria ligações do filme com A Grande Aposta. Os diálogos são bem escritos, com palavras próprias às pessoas daquele fim de mundo. 

A direção cuidadosa de David Mackenzie une a tensão nos momentos corretos com uma atmosfera mais suave para momentos de reflexão. Sua opção por muitos planos abertos serve para contrapor a insignificância dos personagens dentro da imensidão do ambiente.

O elenco todo é afiado. Jeff Bridges (indicado ao Oscar pela sétima vez) está ótimo em sua caracterização de caipirão texano, com trejeitos que lembram os de Marlon Brando em O Poderoso Chefão. Chris Pine finalmente tem uma atuação convincente. Talvez tenha achado um papel em que se adequava, pois suas atuações como herói na nova série de Star Trek ou na retomada de Jack Ryan em Operação Sombra foram fracas. 

A Qualquer Custo tem uma trama simples, porém é muito bem executado. Uma estória de homens rudes em um local rústico. Um ótimo filme.

Nota: 8

Oscar 2017: Indicados

And the nominees are...

Saiu a lista de 2017.

 E vamos lá para algumas considerações:

- Amy Adams de fora é absurdo. Ela poderia ser indicada tanto por Animais Noturnos quanto por A Chegada.

- Meryl Streep é ótima mas há uma exagero em suas indicações. Além de ser queridinha, talvez o discurso anti-Trump no Globo de Ouro contou muitos pontos.

- Annette Bening foi outra esnobada, junto com seu filme 20th Century Women que ficou só com indicação para roteiro original.

- Jake Gyllenhaal, como eu previa, foi esnobado por Animais Noturnos. Neste caso, pelo menos aparentemente, a concorrência é forte.

- Tom Hanks também acabou de fora. Quem sabe se fizesse um discurso anti-Trump?!

- Deadpool não foi indicado a nada. Ainda bem.

- Silêncio, de Scorsese, ficou só com indicação em cinematografia.

- E Animais Noturnos, como previsto, foi o grande esnobado. Poderia receber indicação em quase tudo e ficou só com a de ator coadjuvante para Michael Shannon. Que merece a indicação e atua bem melhor no filme que Aaron Taylor-Johnson que venceu(?!) o Globo de Ouro.

Todos os indicados a melhor filme serão analisados no Pitacos, na Maratona do Oscar. Os indicados de todas as categorias que já foram analisados estão em destaque. A lista completa:

Melhor filme

• A Chegada
• Um Limite Entre Nós
• Até o Último Homem
• Estrelas Além do Tempo
• Lion
• A Qualquer Custo
• La La Land
• Moonlight
• Manchester à Beira-Mar

Diretor

• Dennis Villeneuve - A Chegada
• Mel Gibson - Até o Último Homem
• Damien Chazelle - La La Land
• Kenneth Logan - Manchester à Beira-Mar
• Barry Jenkins - Moonlight

Ator

• Casey Affleck - Manchester à Beira-Mar
• Ryan Gosling - La La Land
• Andrew Garfield - Até o Último Homem 
• Viggo Mortensen - Capitão Fantástico 
• Denzel Washington - Um Limite Entre Nós

Atriz

• Emma Stone - La La Land
• Natalie Portman - Jackie 
• Isabelle Huppert - Elle 
• Ruth Negga - Loving 
• Meryl Streep - Florence: Quem é Essa Mulher?

Ator Coadjuvante

• Mahershala Ali - Moonlight
• Jeff Bridges - A Qualquer Custo
• Lucas Hedges - Manchester à Beira-Mar
• Dev Patel - Lion
• Michael Shannon - Animais Noturnos

Atriz Coadjuvante

• Viola Davis - Um Limite Entre Nós
• Naomie Harris - Moonlight
• Nicole Kidman - Lion
• Octavia Spencer - Estrelas Além do Tempo 
• Michelle Williams - Manchester à Beira-Mar 

Roteiro Original 

• A Qualquer Custo 
• La La Land
• O Lagosta
• Manchester à Beira-Mar
• 20th Century Women 

Roteiro Adaptado

• A Chegada
• Um Limite Entre Nós
• Estrelas Além do Tempo
• Lion
• Moonlight

Fotografia

• A Chegada
• La La Land
• Lion
• Moonlight
• Silêncio 

Design de Produção

• A Chegada
• Animais Fantásticos e onde Habitam 
• Ave, César! 
• La La Land
• Passageiros

Figurino

• Aliados
• Animais Fantásticos e onde Habitam
• Florence: Quem é Essa Mulher?
• Jackie
• La La Land

Maquiagem e Cabelo

• Um Homem Chamado Ove
• Star Trek: Sem Fronteiras
• Esquadrão Suicida

Edição

• A Chegada
• Até o Último Homem
• A Qualquer Custo
• La La Land
• Moonlight

Efeitos Visuais

• Horizonte Profundo
• Doutor Estranho
• Mogli
• Kubo e as Cordas Mágicas
• Rogue One: Uma História Star Wars

Trilha Sonora

• Jackie
• La La Land
• Lion
• Moonlight
• Passageiros

Canção Original

• Audition (The Fools Who Dream) - La La Land
• Can't Stop the Feeling - Trolls
• City of Stars - La La Land
• The Empty Chair - Jim: The James Foley Story
• How Far I'll Go - Moana

Edição de Som

• A Chegada
• Horizonte Profundo
• Até o Último Homem
• La La Land
• Sully

Mixagem de Som

• A Chegada
• Até o Último Homem
• La La Land
• Rogue One: Uma História Star Wars
• 13 Horas: Os Soldados Secretos de Benghazi

Animação

• Kubo e a Espada Mágica 
• Moana 
• My Life as a Zucchini 
• A Tartaruga Vermelha 
• Zootopia 

Curta de Animação 

• Pearl
• Piper: Descobrindo o Mundo
• Blind Vaysha
• Pear Cider and Cigarettes
• Borrowed Time

Curta-metragem

• Ennemis Intérieurs, de Sélim Azzazi
• La Femme et le TGV, de Timo von Gunten
• Silent Nights, de Aske Bang
• Sing (Mindenki), de Kristof Deák
• Timecode, de Juanjo Giménez

Documentário

• Fire at Sea
• Eu não Sou seu Negro
• Life Animated
• O.J.: Made in America
• 13th

Documentário em curta-metragem

• Extremis
• 4.1 Miles
• Joe's Violin
• Watani: My Homeland
• The White Helmets

Filme estrangeiro

• Land of Mine (Dinamarca)
• Um Homem Chamado Ove (Suécia)
• O Apartamento (Irã)
• Tanna (Australia)
• Toni Erdmann (Alemanha)

O Apartamento

Misoginia velada universal

Forushande, Dir: Asghar Farhadi, Irã, 2016, 2h05min
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No último ano, quase nenhum filme "estrangeiro", leia-se, que não é filme nacional e nem de países de língua inglesa (especialmente EUA) foi analisado neste blog. Neste ano haverá maior diversidade neste blog, que sempre tratou de filmes sem ser em língua inglesa ou em português. A importância disto é o de ver uma realidade diferente da nossa e também diferente daquela sempre vista nos filmes dos EUA.

O Apartamento acompanha a estória de um casal de atores que se muda de seu prédio ameaçado de desabar para um apartamento cuja histórico da antiga moradora vai causar sérios problemas a eles. Um drama de gente comum.

O principal defeito do filme é que ele demora bastante a engrenar. Todo o primeiro ato da apresentação dos personagens e seu cotidiano, é maçante, e em determinado momento eu estava me perguntando para onde iria aquela estória. Passado isso chega-se ao acontecimento que irá quebrar a rotina dos personagens e conduzir a estória, quando a mulher é agredida em casa por um desconhecido.

O filme de um país tão marcado por seu fundamentalismo político-religioso, curiosamente é muito crítico de sua sociedade. De forma muito sutil. A questão religiosa nunca toma o primeiro plano no retrato das vidas dos personagens. Há lá um homem que tem de lidar com seus dilemas de macho, sua reputação e o controle de sua esposa. É uma estória sobre a misoginia que existe em todos os lugares, não a explícita e brutal do cidadão que mata mulheres, mas a velada, do marido que se acha o senhor de sua esposa e nem se dá conta de seu comportamento desrespeitoso, ainda que possa ser atencioso, culto, educado e afetuoso.  Também há análises sobre a justiça e sobre o que deve ser feito para reparar um ilícito. 

Por mais que O apartamento conte uma estória típica de Teerã, com suas particularidades, as estórias poderiam ser vividas na China, na França ou no Brasil. Os temas são universais e atuais, talvez até mesmo atemporais. Aliás, é interessante notar que Teerã, uma grande metrópole de terceiro mundo, em alguns pontos, como na decoração dos ambientes, lembra o Brasil. 

O roteiro apesar de às vezes se demorar no desenvolvimento da estória, como no primeiro ato, é inteligente e foi premiado em Cannes. Há uma interessante mistura da estória com momentos da peça de teatro que os protagonistas estão apresentando, sempre mostrando um trecho que de alguma maneira se casa com o momento da estória pessoal deles. E o ponto que mais se destaca é a eficiente criação de personagens complexos. Ninguém é bom ou mau. Todos são seres humanos, passíveis de bondade ou de maldade. 

O diretor e roteirista Asghar Farhadi também roteirizou o excelente A Separação, vencedor do Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira de 2012, que trata de um divórcio movido por uma mulher que, mais do que se separar de seu marido, quer romper com o próprio Irã e sua sociedade, e para isso terá de enfrentar o sistema legal fundamentalista. Aqui a obra não tem a mesma força de seu filme mais famoso, mas mantém algumas de suas características, especialmente a crítica sutil à sociedade. Visualmente o filme é simples, mas a trama é boa o bastante para dispensar um visual chamativo.

O elenco é ótimo, com destaque para a dupla de protagonistas. Taraneh Alidoosti consegue passar sua dor de forma muito contida e sutil. E Shahab Hosseini faz seu marido tendo que lidar com seus conflitos entre o intelectual gentil e o macho alfa justiceiro. Atuação que lhe rendeu o prestigiado prêmio em Cannes.

O Apartamento, apesar de seu começo demorado, é um bom filme, que prende o espectador com seus dramas cotidianos e universais.

Nota: 7

Animais Noturnos

Decisões custosas

Nocturnal Animals, Dir: Tom Ford, EUA, 2016, 1h56min
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Refinamento e beleza estética é o mínimo que se poderia esperar de um filme dirigido por um renomado estilista como Tom Ford. Felizmente, não só de estética se alimentam seus Animais Noturnos.

No filme, Susan, uma bem sucedida negociadora de arte, recebe um manuscrito de um romance de seu ex-marido de quem há tempos não tinha notícias. O livro escrito por uma pessoa tão importante do passado de Susan faz com que ela passe a rememorar sua história. Especialmente as decisões cruciais que tomou então e que construíram a pessoa que ela é na atualidade.

O roteiro costura brilhantemente três tramas: a de Susan no presente, a de Susan no passado e a do romance de seu ex-marido, uma estória familiar marcada por um crime. Esta última trama é tensa até dizer chega, e mexe com emoções profundas de Susan enquanto ela devora as páginas. Sentimentos pesados são abordados, como medo, arrependimentos e decisões irreversíveis. Há um certo sentido de futuro inescapável, de destino pré-concebido, do qual a pessoa não conseguirá escapar ainda que se esforce. Há até uma cena em que a mãe da protagonista antevê o que ela irá se tornar, uma burguesa chata, ainda que ela diga que seu sonho seja ser uma artista desprendida.

A direção de Tom Ford consegue manter o espectador tenso e reflexivo ao longo de todo o filme. E, como já dito, esteticamente, o filme é um primor. Mas se engana quem pensa que um estilista da alta costura só vai mostrar cenas de ambientes chiques. Ao contrário. Ele cria três ambientes bem diversos para caracterizar as três tramas. Um ambiente de cor predominantemente branca, caracterizando a assepsia no presente de Susan. Um ambiente árido e amarelado nas cenas do livro, mostrando a brutalidade da trama. E um ambiente mais colorido no passado de Susan, retratando seus tempos de lembranças puras, quando ela se permitia ser sonhadora.

Os atores dão um show. Jake Gyllenhaal novamente vai muito bem, fazendo dois papéis, o do ex-marido da protagonista e o do personagem principal do livro escrito por ele. Um dos melhores atores de sua geração, ele está sendo, como de costume, esnobado nas premiações, sendo sua única indicação ao Oscar por O Segredo de Brokeback Mountain. Amy Adams teve seu melhor ano. Assim como em A Chegada esta interpretação também é bem marcante. É quase certo que será indicada por A Chegada, mas se não fosse facilmente poderia ser indicada por este.

Aaron Taylor-Johnson, premiado como coadjuvante com o popular mas nada sério Globo de Ouro, vai bem, mas nada digno de prêmios. Michael Shannon, que constrói um personagem moralmente ambíguo e enigmático, merecia mais essa indicação, o que recebeu em diversos prêmio menores (e mais sérios).

Falando em indicações ao Oscar, este filme pode até receber alguma indicação. Mas as previsões não são das mais otimistas. Este provavelmente será um dos grandes esnobados da premiação de 2017. Quando sair a lista com os Indicados do Pitacos voltamos a mencionar o filme.

Animais Noturnos é um ótimo filme, um thriller denso, violento e reflexivo. Obra de um estilista que se mostra um artista que quer expressar seu talento de outras formas que não só a costura.

Nota: 8

Top 10 2016

Fechando o boteco

Aparentemente, se não rolar aquele Feitiço do Tempo que aprisionou o Bill Murray, daqui a poucas horas 2016 finalmente acaba. Então é hora da retrospectiva do Pitacos Cinematográficos 2016.

Essa lista não é a dos melhores filmes lançados em 2016 mas sim a dos melhores filmes lançados entre 2015 e 2016 e analisados pelo Pitacos em 2016. 

Lembrando que a lista é extremamente subjetiva, quem não concordar sinta-se à vontade para discordar publicamente. Infelizmente vi poucos filmes não americanos no ano, por isso a lista é quase toda de filmes dos EUA.

E os Top 10 são:

1. O Regresso
2. Spotlight
3. Aquarius
4. A Chegada
5. O Quarto de Jack
6. Anomalisa
7. Sicario
8. Mad Max: Estrada da Fúria
9. A Grande Aposta
10. X-Men: Apocalipse

2016 apesar de tudo ruim que ocorreu no mundo foi um ano muito produtivo para o blog. 37 filmes foram analisados, além das análises pré e pós Oscar. Infelizmente, fora da temporada de premiações, entre março e novembro não foi um ano tão interessante para o cinema, com poucos títulos interessantes em exibição nos cinemas. Mas está pra começar a enxurrada de bons filmes que são lançados na temporada de premiações.

Agradeço a todos que leram os pitacos. Ter um blog individual é solitário. Ver que tem gente lendo e curtindo o que escrevo me dá ânimo em continuar dando os meus pitacos.

Feliz 2017 com muitos bons filmes para nós!

Sully: O Herói do Rio Hudson

Apertem os Cintos 

Sully, Dir: Clint Eastwood, EUA, 2016, 1h36min
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Como criar expectativa e manter a platéia entretida com um filme baseado em uma história conhecida por todas e amplamente noticiada mundialmente? Esse é o desafio que Sully: O Herói do Rio Hudson tem de enfrentar. E fez o melhor que pôde nas hábeis mãos de Clint Eastwood.

Como todos sabem, em maiores detalhes ou superficialmente, em 2009 houve um pouso de emergência realizado no Rio Hudson, ao lado da cidade de Nova York, no qual todos a bordo sobreviveram e ninguém sofreu ferimentos graves. Foi um feito surpreendente e único na história da aviação. 

A trama, como indica o título, foca em seu protagonista, o veterano Comandante Chesley Sullenberger (Tom Hanks), que optou pelo pouso forçado após perder seus dois motores logo após a decolagem em um choque com aves. O filme foca então em dois aspectos. O histórico e os sentimentos de Sully e a investigação obrigatória que se segue após o incidente. A questão que se coloca é se seria possível que Sully, ao invés de optar pelo perigosíssimo pouso no rio, poderia ter se dirigido a algum aeroporto e ter feito um pouso convencional. E para isso dois mistérios são guardados para o final: se realmente os dois motores não funcionavam, pois leituras de computador indicavam que um deles estava funcionando, e se assim seria possível dirigir-se a um aeroporto após a colisão com as aves. E isso serve muito bem para manter a atenção dos espectadores.

O filme também busca, para além de Sully, elevar os outros personagens envolvidos. Algumas estórias paralelas dos passageiros são mostrados, é dado um pequeno destaque para a tripulação, especialmente para o copiloto Jeffrey Skiles (Aaron Eckhart) e também para as equipes de resgate que prontamente se dirigiram ao local da queda e evitaram que as pessoas a bordo morressem de hipotermia nas frias águas invernais do Hudson.

Tom Hanks, apesar de sempre apresentar atuações ao menos convincentes, ainda que em filmes questionáveis (como O Código da Vinci), mostra o que pode ser sua melhor atuação nos últimos 10 anos. Ele consegue encenar o drama pessoal de Sully de maneira serena, sem grandes arroubos de emoção, construindo um personagem convincente. Aaron Eckhart completa bem a dupla de pilotos, servindo com um contraponto um pouco mais relaxado a Sully.

Clint Eastwood costuma apresentar trabalhos com elevado nível técnico (aqui vamos deixar de lado os bebês bonecos usados em Sniper Americano). As cenas de desastre são bem pontuadas e ele consegue transmitir emoção até mesmo nas apresentações de simulação de alternativas ao acidente. Não há nada na parte técnica que salte aos olhos, mas tudo é relativamente bem executado. A queda do avião é bem encenada, apesar de alguns aspectos da água criada em CGI serem um tanto artificiais.

Sully é um bom filme, especialmente por conseguir tirar o máximo possível de uma história conhecida. E consegue mostrar toda a emoção envolvida no "Milagre do Hudson".

Nota: 6

Rogue One: Uma História Star Wars

Outras estórias 

Rogue One: A Star Wars Story, Dir: Gareth Edwards, EUA, 2016, 2h14min
IMDB                 Trailer

A Disney comprou a Lucasfilm por conta da mina de ouro que havia dentro dela: o Universo Star Wars. Não estava rendendo tanto quanto poderia por não ser bem administrada pelo seu criador, George Lucas. Mas nas mãos corretas poderia dar lucros enormes. A Disney, além de saber produzir lucros exorbitantes, sabe também cativar o coração das audiências, conseguindo, assim, ainda mais lucros. Foi o que fez com a saga Star Wars ao lançar O Despertar da Força.

No ano passado houve um hype gigantesco com o lançamento deste filme. Não dava pra sair nas ruas sem ver várias pessoas usando camisetas do Star Wars. Brinquedos e mais brinquedos surgiram, fazendo com a saga chegasse aos corações das crianças de hoje.  E os resultados financeiros também impressionaram e chegou-se a dizer que o filme bateria Avatar como a maior bilheteria mundial da história. Não foi o caso, ficando em terceiro neste ranking, mas com mais de 2 bilhões de dólares de faturamento nas bilheterias bateu vários recordes, como maior bilheteria nos EUA e maior bilheteria em fim de semana de estréia.

Além da estória principal, envolvendo a família Skywalker, a Disney quis trabalhar subtramas do universo Star Wars. A primeira delas é esta de Rogue One: Uma História Star Wars (péssima gramática pra tradução, que deveria ser "Uma Estória de Star Wars"). A trama para este filme já estava pronta desde o primeiro filme da saga, de 1977. Veja o que diz o letreiro inicial:

"É um período de guerra civil. Partindo de uma base secreta, naves rebeldes atacam e conquistam sua primeira vitória contra o perverso Império Galático.

Durante a batalha, espiões rebeldes conseguem capturar os planos secretos da arma decisiva do império, a Estrela da Morte, uma estação espacial blindada com poder suficiente para destruir um planeta inteiro".

Pois bem, estas linhas que serviam para situar o espectador no ambiente do primeiro filme agora são a estória a ser mostrada nas telas. Infelizmente, não fizeram um bom serviço com o material.

A trama anunciada necessitava do enredo de como ocorreu a captura dos planos e de personagens novos nunca citados. Entram aí a protagonista Jyn Erso, menina indisciplinada filha do engenheiro chefe pelo projeto da Estrela da Morte e o co-protagonista Capitão Cassian Andor, espião rebelde. Ao grupo se juntam o andróide K-2SO, o religioso cego Chirrut, seu amigo Baze e o ex-piloto imperial Bodhi.

Mas essa parte que precisava ser criada do zero não foi bem feita. E isso comprometeu todo o filme.

O desenvolvimento da estória não tem muita graça ou muita emoção, algo sempre presente em Star Wars. Há uma tentativa válida de se buscar contar uma estória do universo Star Wars dentro de uma perspectiva completamente nova, junto a pessoas comuns que não possuem poderes especiais e que não se tornarão os heróis da galáxia que é bastante válida. Também é interessante fazer um filme mais sujo, em que não há a clara distinção entre o bem e o mal. Aqui, Império e Rebelião são quase que dois lados da mesma moeda, com personagens em ambos os times capazes de atos monstruosos por sua causa.

Até mesmo na parte estética há um claro rompimento com os filmes anteriores no intuito de mostrar esta outra perspectiva. Objetos familiares como a Estrela da Morte são mostrados sob novos ângulos. Pela primeira vez há legendas dizendo onde estão os personagens e também h à espaços de tempo distintos distintos, ao contrário dos filmes anteriores em que toda a estória se desenvolvia em poucos dias.

O maior problema são os personagens, especialmente a protagonista. Alguns deles tem até seu encanto, como o homem cego de fé inabalável na força, Chirrut, mas não conquistam o coração do espectador, ao contrário de Han, Luke e Leia, e mais recentemente Rey, Finn e Poe. A protagonista é completamente sem graça, não conseguindo levar o espectador a se comover com seu drama particular.

Parte da culpa certamente recai sobre a atuação desajustada de Felicity Jones. Ela não conseguiu dar o tom da persoangem, de uma menina rebelde e independente, mas de grande coração. Faltou tudo aqui dela. Ela aparenta somente estar de corpo presente. Uma tristeza, pois ela mostrou um belo trabalho em A Teoria de Tudo, que lhe valeu uma merecida indicação ao Oscar. Dois grandes atores como Mads Mikkelsen e Forest Whitaker estão muito mal aproveitados em seus papéis sem profundidade. O único que se destaca é Diego Luna, como o espião rebelde que carrega uma grande culpa.

A direção pesada de Gareth Edwards aparentemente se preocupou mais em espetáculos visuais do que com enredo e personagens. Ao menos na parte técnica Rogue One merece alguns elogios. As batalhas espaciais estão entre as melhores da saga, e os efeitos computadorizados atingem um nível assustador, não vou detalhar para não dar spoiler, mas os fãs me entenderão quando virem. A busca por uma direção de arte semelhante ao filme de 1977 também é digna de elogios, com cenários e figurinos muito bem caracterizados, ainda que sejam cópia do primeiro filme.

Rogue One mal foi lançado e já houve quem elogiasse muito o filme. Já outros, como eu, não gostaram. Aparentemente esta divisão de opiniões será a percepção do público em geral, ao contrário de O Despertar da Força que foi quase que unanimemente elogiado. Se se confirmar isso, a Disney terá seriamente que repensar o plano de lançar um filme de Star Wars por ano, sob pena de cansar o público.

Rogue One era um filme com pinta de caça-níquel. Poderia não ser se a estória fosse boa. Infelizmente, o que é muito dolorido para um fã como eu, acabou sendo um filme sem vida. Um grande desperdício de um universo tão amado por muitos, especialmente para este pitaqueiro apaixonado pela saga. E é com pesar que dou uma nota tão ruim a um filme de Star Wars. 

Nota: 3

Critic´s Choice Movie Awards 2017

Termômetros do Oscar - Parte 1 

Ontem foi realizada a cerimônia de premiação Critic´s Choice, que como indica o nome, é o prêmio dado pelo voto dos críticos de cinema.

O prêmio é um dos principais "termômetros" do Oscar. É um dos que mais se aproximam dos resultados do prêmio da Academia. Para exemplificar, em 8 vezes nos últimos 10 anos o prêmio de melhor filme foi o mesmo em ambas as premiações. Além de diversos acertos em outras categorias.

Considerações:

• La La Land é o filme a ser batido no ano. Levou melhor filme, melhor diretor (Damien Chazelle do ótimo Whiplash) roteiro original e vários prêmios técnicos, somando 8 conquistas.
• La La Land, Moonlight e Manchester à Beira Mar são os pesos pesados da temporada. 
• A Chegada vai ser o filme de diversas indicações e poucas estatuetas.
• Ator principal: Casey Affleck, o irmão mais novo de Ben Affleck, ganhou melhor ator por Manchester à Beira Mar.
• Atriz principal: categoria muito disputada. Natalie Portman venceu por Jackie. Mas a briga segue aberta.
• Ator coadjuvante: Mahershala Ali (mais conhecido por XXX em House of Cards) venceu como ator coadjuvante.
• Atriz coadjuvante: Viola Davis venceu por Fences (prêmio que também ganhou pela versão teatral da obra) confirmando seu favoritismo na categoria.
• Elle venceu como melhor filme estrangeiro e mostrou sua força na categoria.

A Chegada

Um Novo Mundo 

Arrival, Dir: Denis Villeneuve, EUA, 2016, 1h56min
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Como nos últimos dois anos a Maratona do Oscar deste blog foi uma corrida insana com pitacos sendo publicados às vezes diariamente, desta vez a análise dos filmes começará mais cedo. Os indicados ao prêmio só serão divulgados no final de janeiro e a cerimônia de premiação é no final de fevereiro (em meio ao nosso Carnaval). Mas alguns filmes já estão se destacando com indicações em premiações que antecedem o prêmio da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. A Chegada é um deles.

O filme, como entrega o título e a divulgação, tem em seu tema o primeiro encontro da humanidade com seres alienígenas, que apareceram com 12 naves aleatoriamente pela Terra. Mas aqui o foco não será o impacto que isso causará na humanidade, cenas de destruição, combate ou qualquer coisa do gênero. Contrariando tudo isso, o filme foca na jornada pessoal da renomada linguista Louise Banks, escalada para estabelecer a comunicação com os alienígenas que pousaram nos EUA, sempre envolta às lembranças de sua filha que morreu na adolescência. 

Acreditem ou não, num filme de extraterrestres os temas principais do roteiro de Eric Heisserer  baseado no conto História da Sua Vida de Ted Chiang serão as escolhas que fazemos em nossas vidas, a dor da perda e como podemos nos conectar uns aos outros. Os extraterrestres funcionam somente como um catalisador para essas mudanças.

Pode parecer que os alienígenas não tenham nada a ver com isso. Mas às vezes precisamos de um fato extraordinário para fazermos coisas simples. Exemplo: no último domingo pela primeira vez vimos as quatro torcidas organizadas dos grandes times do Estado de São Paulo fazendo um confraternização conjunta após a tragédia com o time da Chapecoense. A pergunta que fica é: eles não poderiam ter feito isso antes? É óbvio que sim, mas nosso cotidiano raso de paixões mesquinhas nos impede de buscar este contato. Nos definimos mais pelas nossas diferenças do que por nossas semelhanças. Às vezes só este fato novo para quebrar um padrão que repetimos por inércia.

Todo o impacto da chegada dos aliens ao nosso planeta é apresentado indiretamente, da mesma forma que a protagonista acompanha a estória. As consequências para a população mundial, como o caos que se segue ao encontro, sempre são mostradas pela televisão, assim como as decisões políticas das nações. Tal recurso narrativo faz a trama centrar-se ainda mais na jornada interna da protagonista.

O filme a princípio tem um ritmo muito lento, que para alguns espectadores mais acostumados ao ritmo de ação constante dos filmes de estúdios atuais pode soar enfadonho. É bastante lento o desenvolvimento do progresso das comunicações com os alienígenas, como acontece em quase tudo no mundo real. Mas no terceiro ato há uma mudança brusca no filme que nos faz repensar tudo que havia sido mostrado até então. Uma espécie de efeito semelhante ao da revelação final de O Sexto Sentido. E aí as fronteiras se expandem vertiginosamente. Nosso conceito de cronologia linear é completamente posto em questão. Não é mais o passado e o presente que dirão o que será o futuro, mas todos estes tempos andam juntos, tal qual a linguagem não-linear dos ETs. Estas frases podem parecer um completo delírio, mas no contexto do filme farão todo o sentido. 

O diretor canadense Denis Villeneuve é um craque, provavelmente o melhor diretor a aparecer no mainstream na última década. Aqui no Pitacos já foram analisados dois de seus filmes, os ótimos O Homem Duplicado e Sicario. Seus filmes são inquietantes, mantendo o espectador confuso junto ao protagonista. Um de seus recursos visuais favoritos é o uso de muitas tomadas a partir da visão dos personagens. Com esse trabalho, consegue caminhar magistralmente na tênue linha que separa os filmes de arte das produções de grande orçamento. A Chegada pode ser considerado tanto um filme de arte pelo foco inusitado da trama, por seu ritmo lento e pelas escolhas técnicas pouco convencionais, como um filme grande de estúdio, por conta de sua grande divulgação e sua boa bilheteria, bem como o fato do diretor procurar tornar a obra acessível ao grande público. 

O trio de atores principal vai bem. Jeremy Renner e Forest Whitaker fazem um bom trabalho mas a trama não lhes permite maior destaque. O holofote fica mesmo sob a ótima Amy Adams, excelente em uma atuação muito contida. Sua indicação ao prêmio de melhor atriz é quase certa, ao lado de concorrentes fortíssimas como Isabelle Huppert e Natalie Portman. 

Como já dito, o clima de tensão e de incerteza é constante. Para criá-lo, na parte técnica há um bom uso dos elementos cinematográficos. A fotografia minimalista de Bradford Young, característica de outros de seus filmes como Selma e O Ano Mais Violento, é bonita. Há uma alternância inteligente entre planos abertos e fechados e bom uso de contraluzes. Sua paleta é bem cinzenta, subexposta (escura) com cores pouco saturadas, conduzindo o espectador para a zona de penumbra e de melancolia da estória. Os cenários são extremamente econômicos, com quase nada de deslumbre visual que costuma caracterizar obras de ficção científica. Da mesma forma, os efeitos visuais são bem cuidados e criam bem o ambiente mas não se sobressaem.  A trilha sonora do islandês Jóhann Jóhannsson também segue nessa linha discreta, como em seus trabalhos anteriores indicados ao Oscar nos últimos dois anos, A Teoria de Tudo e Sicario. O filme deve receber indicações em algumas destas categorias técnicas assim como de melhor filme, roteiro adaptado, direção e atriz principal, o que pode colocá-lo na liderança no número de indicações.

A Chegada é um filme que fica na linha tênue que divide cinema de arte de cinema pipoca. Não é para todos os públicos, pois é um filme que exige um comprometimento do espectador. Mas também não é um filme hermético feito para pseudo-intelectuais e supostos entendidos em arte se fingirem superiores. É um grande obra, certamente o melhor da safra Hollywood 2016 até o momento.

Nota: 9

P.S: Domingo ocorre a primeira grande premiação que antecede o Oscar, o Critic´s Choice Movie Awards, o prêmio dado pelos críticos. Segunda-feira sai um pitaco com algumas breves análises sobre a premiação.