Trainspotting - Sem Limites

Quem quer ser um junkie?

Trainspotting, Dir. Danny Boyle, Reino Unido, 1996, 94min

Revi recentemente este filme que incluo entre aqueles que mais me marcaram, pois foi um dos primeiros contatos que tive, em minha adolescência, com filmes não-hollywoodianos. Escrevo assim porque detesto o rótulo de "alternativo", como se somente os grandes estúdios dos EUA produzissem filmes importantes, além do que existe essa cultura besta de querer se "diferenciar".

Trainspotting traz a história de um grupo de amigos escoceses, a maioria deles usuários de heroína, uma das drogas mais pesadas. São eles o protagonista que tenta deixar o vício, Renton (o pouco conhecido à época Ewan McGregor), o cara que tenta sempre se mostrar bem sucedido, Sick Boy, o bonzinho e fraco Spud, o esportista Tommy e o machão beberrão falso-moralista Begbie.

A estória gira em torno da tentativa de Renton de deixar a vida focada no uso de heroína e viver uma vida normal. Esse é o eixo condutor do filme, pois, desde o início, se questiona o que é a vida normal. Ser bem sucedido no trabalho, ter família, filhos, carro, viagens de férias? Talvez o objetivo de todos nós seja buscar o prazer, e o uso de drogas seria apenas uma outra forma. Aliás, nesse ponto, o filme também lembra o ótimo Clube da Luta, pois mostra a tentativa de fugir da vida certinha por uma via considerada socialmente inadequada.

Algumas cenas surreais são inesquecíveis, como a do bebê engatinhando no teto, ou a do "mergulho" dentro da privada do "banheiro mais sujo da Escócia". Algumas são divertidíssimas, como aquela que dois amigos estão falando sobre sexo em uma balada, enquanto suas namoradas fazem o mesmo no banheiro. Quando se encontram as garotas perguntam sobre o que eles falavam, ao que eles cravam "futebol" e devolvem a pergunta, tendo como resposta "compras". 

Uma personagem muito marcante é Begbie. Ele é o cara que não usa drogas, mas fuma e bebe o tempo inteiro, enquanto dá lições de moral nos amigos mesmo sendo campeão em arrumar confusões em bares. 

Há muitas outras cenas fantásticas no filme, além de uma trilha sonora rockeira muito boa. A edição é um destaque à parte, pois o ritmo do filme se alterna bastante, às vezes (poucas) sendo lento, e por outras vezes se tornando um vídeo clipe. 

A excelente direção é de Danny Boyle, que posteriormente foi merecidamente premiado com o Oscar de melhor diretor por Quem Quer Ser um Milionário?.

Trainspotting é um filme bem pesado, mostrando as pessoas se drogando de maneira muito realista, tendo sido por alguns considerado apologista ao uso de drogas. Não vejo assim, pois ao mesmo tempo em que mostra que a droga dá um imenso prazer imediato (se assim não fosse, ninguém usaria), mostra a destruição que ela pode causar, especialmente na estória sobre Tommy. Talvez seja até moralista, ao mostrar que o caminho pra quem fica nas drogas é, quase sempre, o da ruína. Assim, tem um paralelo também com Réquiem para um Sonho, que trata da dependência de maneira mais genérica.

Como o filme é a adaptação de um livro de mesmo nome, há discussões sobre Danny Boyle dirigir a adaptação da sequência, Porno, contando o destino das personagens alguns anos depois.

Nota: 10

O Som ao Redor

Casa-Grande & Senzala

Idem, Dir. Kleber Mendonça Filho, Brasil, 2012, 131min

Filme que tem recebido excelentes críticas e esteve envolvido em uma polêmica após um comentário maldoso de um diretor da Globo Filmes, O Som ao Redor retrata o cotidiano de pessoas que vivem ou trabalham numa rua em Recife, a poucos metros da praia.

O filme traz diversas tramas paralelas sem interrelação. Estão lá a dona de casa entendiada que não consegue dormir com os latidos do cachorro do vizinho, o velho patriarca de uma família que era dona de terras do passado, os moradores de um edifício de luxo que querem demitir o porteiro que dorme no serviço, os seguranças da rua que chegam para "garantir o sono dos moradores, dentre outros.

O filme tem vários defeitos e poucas qualidades. O primeiro defeito é a duração. O diretor não precisava gastar duas horas para que se entendesse a mensagem que ele quer passar, de que a relação casa-grande e senzala persiste em existir no Brasil contemporâneo, apesar da nova roupagem. Aliás, tal sentido é explicitado logo na primeira cena, em que há a exibição de uma sequência de fotos antigas de grandes propriedades rurais, os senhores e seus dependentes.

Também incomoda a lentidão com que se desenvolve a história. Várias coisas vão acontecendo sem muita conexão. A dona de casa tenta envenenar o cachorro, um menino chuta a bola no prédio de luxo e não consegue pegá-la de volta, um corretor de imóveis vai tomar café da manhã com a empregada após dormir com uma moça que conhecera na noite anterior, etc. Apenas a proximidade física, por tudo acontecer na mesma rua, estabelece um elo entre as cenas.

Além disso, algumas cenas nem se desenvolvem. Ao menos duas cenas mostram um casal de adolescentes em uniformes escolares se beijando em um cantinho. Cenas totalmente perdidas e sem nenhuma ligação com os demais eventos. 

Como qualidade, há cenas interessantes, como a em que os seguranças vão pedir "benção" ao velho patriarca para atuar na área em que ele vive, e este começa a caçoar do mulato caolho, mostrando seu tratamento humilhante para os, no seu ponto de vista, "inferiores". Também há uma interessante cena sobre a reunião de condomínio para discutir a demissão do porteiro que há muitos anos lá trabalha mas só dorme em serviço.

Também se destaca a preocupação do diretor de tratar as personagens como pessoas com defeitos e qualidades, não elegendo heróis e vilões de forma maniqueísta. 

Em síntese, o filme tem bons momentos, mas são muito poucos, sendo na maior parte do tempo, extremamente cansativo. Havia maneiras muito melhores de se mostrar a persistência das formas de tratamento coloniais.

Nota: 4

De volta em um novo canal

Pitacos cinematográficos, que andava morto-vivo no endereço do UOL, voltou, agora em casa nova, no Blogger.

Na primeira vez tinha parado de escrever por falta de público. Agora, com o Facebook e o Twitter, como recomendaram alguns amigos, talvez consiga mais visibilidade, por isso a volta.

Resgatei os posts antigos, colocando a data da postagem original. 

Não revisei nada. Posso até ter mudado de ideia ou notado algum erro de português, mas deixei como originalmente publicado.

Os comentários antigos podem ser acessados clicando no link abaixo da nota.

Basicamente a ideia básica é a mesma do primeiro pitaco:

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Apresentação do Pitacos
Sejam bem vindos ao Pitacos Cinematográficos (que pretensão, será que alguém vai mesmo ler isso aqui)!
Este blog foi criado para análise de filmes. Este blog não é um diário pessoal, no entanto, qualquer crítica reflete as idéias e a visão do autor. Ao final de cada avaliação atribuirei aos filmes uma nota de 0 a 10.
Comentários, sugestões e discussões serão bem vindos!
Aguardo seus pitacos!

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É isso. Aguardo seus novos pitacos!

Zé do Caixão

À Meia-Noite Levarei sua Alma

Dir. José Mojica Marins, Brasil, 1964, 78min

Foi exibida em sessão dupla na Mostra os dois principais filmes do coveiro mais famoso do cinema.

Neste primeiro filme, é apresentada a personagem Zé do Caixão, agente funerário cético ao extremo, que despreza a ignorância causada pela religiosidade do povo e gosta de cometer atos que choquem a moral, como comer carne na sexta-feira santa.

Por não acreditar em ressurreição ou reencarnação, Zé do Caixão acredita piamente que o modo de se tornar imortal é pelo sangue, ou seja, fazendo um filho e perpetuando seus genes. Assim, decide buscar a mulher digna de ter o seu filho.

Apesar de casado, Zé encontra-se infeliz com sua esposa, e cria um desejo pela namorada de seu melhor amigo, surgindo daí a história do filme.

Como podem imaginar pelo ano do filme e pelo característico respeito à memória cinematográfica brasileira, ainda mais se tratando de um filme de terror, a qualidade da imagem é bem baixa, sendo que o filme necessita urgentemente de remasterização.

Nota: 6

Esta Noite Encarnarei no Seu Cadáver

Dir. José Mojica Marins, Brasil, 1966, 100 min

Continuação de À Meia-Noite, a história reinicia onde a primeira tinha acabado.

No filme, Zé do Caixão continua sua busca pela mulher perfeita, digna de ser mãe de seu filho. O que antes era um objetivo, agora se torna uma obsessão. Para isso, Zé seqüestra 6 belas jovens da cidade, disposto a avaliá-las e decidir quem seria sua esposa.

Provavelmente por possuir um maior orçamento, a história conta com produção muito melhor do que a do primeiro filme, tendo até uma seqüência a cores. Há muito mais personagens, mais cenários e mais esmero nos detalhes.

E a crueldade de Zé aumenta neste filme, sendo um frio torturador, justificando seus atos na necessidade de dar continuidade à sua linhagem, numa versão tupiniquim da personagem central do livro Crime e Castigo, Raskólnikov.

Nota: 8

O Caminho dos Ingleses

Volte Gato de Botas 

El Camino de Los Ingleses, Dir. Antonio Banderas, Espanha, 2006, 118min

Por curiosidade, este pitaqueiro arriscou-se a ver na Mostra este filme do ator Antonio Banderas, no qual ele não atua, somente dirige.

A história gira em torno de um jovem que decide se tornar poeta após fazer cirurgia de retirada de rim, acontecimento que serviu como divisor de águas em sua vida. A partir daí, é mostrado o cotidiano deste jovem e de seus amigos, narrados, em alguns momentos, por poesia.

Extremamente chato, maçante, e enrolado, o filme só aparece aqui no Pitacos como forma de alertar seus leitores a não desperdiçarem duas horas vendo esse filme horrível.

Antonio Banderas deveria se contentar em dublar o Gato de Botas em Shrek, o que faz muito bem, ao contrário do que faz dirigindo filmes.

Nota: 0

[3 Comentários]

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Garçom

Aqui Nessa Mesa de Bar

Ober, Dir. Alex van Warmerdam, Holanda, 2006, 97min

Como os frequentadores da Mostra sabem, muitas vezes a única informação disponível sobre o filme é sua sinopse. Munido dela, interessei-me pelo filme Garçom, em parte por eu já ter exercido essa função e por ser atendido sempre por eles, interessou-me analisar a história, que, segundo a sinopse, retratava um garçom cinqüentão em crise no casamento e que convive com o mau tratamento dos clientes.

Coisa que não estava escrito na sinopse, é que o filme, mais do que retratar o cotidiano do garçom, mostra como se dá o processo de escrita de uma história. À parte do universo retratado, vemos o escritor e sua esposa, com problemas no relacionamento e discutindo como deveria ser a história. Daí por diante, as personagens da história começam a bater em sua porta questionando seus destinos na trama e pedindo para modificá-los.

Por conta dessa utilização de metalinguagem, o filme torna-se chato e foge da narrativa da vida do garçom, ficando muito distante de retratar o cotidiano comum de um garçom, tornando-se uma história fantasiosa.

Nota: 3

A Era da Inocência

Crise de valores

A Era da Inocência

L´Âge des Ténèbres, Dir. Denys Arcand, França/Canadá, 2006, 104min

Do mesmo diretor de Declínio do Império Americano e Invasões Bárbaras, este novo filme continua a abordagem da crise de valores no mundo moderno, que podem levar à decadência de nosso modelo de sociedade.

Com essas palavras, aparenta até que o filme é um maçante tratado de sociologia. Não é. É um filme em muitos momentos muito divertido.

A história gira em torno de Jean-Marc Leblanc, um funcionário público de Québec que vive um casamento frustrado e tem duas filhas que sequer percebem que ele existe. Vivendo nesse mundo, sua vida é marcada por fantasias, especialmente causadas por sua frustração sexual. Em qualquer momento do dia, o filme nos mostra seus devaneios e seus sonhos por uma realidade na qual ele torna-se um homem mais feliz e realiza seus desejos.

Em um dos melhores desses devaneios, o diretor, mostrando-se antenado com a cultura pop hollywoodiana e não querendo ser só um diretor de arte, faz uma paródia da cena de Kill Bill, vol.1, aquela em que a sino-japonesa sai correndo pela mesa de reunião de seu grupo criminoso e decapita um dos presentes.

A fusão entre esse lado engraçado e as reflexões que o filme levanta é seu ponto alto. É daqueles filmes que convidam o espectador a refletir sobre nossa sociedade e nossos valores, passando pelas relações de amizade, de trabalho e pela família.

Obviamente, esse filme permite diversas interpretações, mas para mim, o que o diretor coloca, em um caráter até moralista, é que nossos valores precisam ser revistos, já que as mudanças em nossas relações nos últimos anos colocaram os antigos paradigmas de pernas para o ar. Interessantíssima é a abordagem feita com relação ao papel da mulher nessa nova família, na qual ela torna-se provedora do lar e o marido um simples enfeite desnecessário.

Além disso, diferentemente do primeiro filme da trilogia, Declínio, este novo filme é recomendado para qualquer um, já que não possui cenas chocantes ou que podem ofender a moralidade comum nacional.

O único problema de se ver um filme desses em uma mostra de cinema é que se percebe, que dificilmente será possível ver um filme tão bom no mesmo evento.

Lançamento no Brasil: sem data, isso se passar nos cinemas, já que nem no Canadá o filme foi lançado ainda. Mas, pela reputação do diretor, com certeza será lançado em DVD. Aguardem.

Nota: 10

A Vida dos Outros

O espião que me amava

Das Leben der Anderen, Dir. Florian Henckel von Donnersmarck, Alemanha, 2006, 137min

Começo nesse pitaco a analisar alguns dos filmes da 31ª Mostra de Cinema de SP.

Vencedor do Oscar de 2007 na categoria Filme Estrangeiro, tendo desbancado o favorito Labirinto da Fauno, na opinião deste pitaqueiro, com todos os méritos, A vida dos Outros trata de um espião que recebe por missão ouvir tudo que se passa na casa de um diretor teatral, durante os últimos anos do regime socialista, na Alemanha Oriental.

O motivo da espionagem, oficialmente, e a suspeita de que o diretor, aclamado tanto no mundo comunista quanto no Ocidente, possa ser um traidor do regime. Mas, por trás da oficialidade, esconde-se os interesses pessoais e mesquinhos. O diretor namora a mais importante atriz de teatro da Alemanha Oriental, por quem o Ministro responsável pelo departamento de espionagem tem uma queda. Querendo afastar seu concorrente do caminho, ele cuida de vasculhar sua vida para descobrir qualquer brecha que permita prendê-lo. A criação de tal personagem é excelente, sendo um dos seres mais repugnantes já vistos no cinema, fazendo de Darth Vader um cidadão simpático se a ele comparado.

No entanto, o oficial incumbindo do comando da missão, condecorado e extremamente respeitado por sua qualidade em investigar os inimigos do regime, percebe que o diretor, apesar de ter seus contatos ilegais no ocidente, não é um sujeito que mereça ser tratado como inimigo do estado, e afeiçoa-se pelo diretor e pela atriz, sendo esse o eixo condutor do filme.

Direção competente, boas atuações e um roteiro eficiente garantem um ótimo filme. Além disso, é um excelente retrato dos últimos anos do regime socialista, servindo como reflexão sobre tal regime autoritário.

Nota: 9

Tropa de Elite

Osso duro de roer

Tropa de Elite

Dir. José Padilha, Brasil, 2007, 118min

O filme do ano, como vem sendo anunciado pela mídia, dispensa muitos comentários sobre sua história, já que provavelmente todos os leitores desse blog já o viram. Então, posso fazer uma análise do filme sem necessidade de contar a história.

A estrutura narrativa é simples. Apresenta na primeira cena uma situação tensa que, linearmente, ocorre na metade do filme, retorna dois anos ao passado para explicar os fatos que levaram a ela, e prossegue com a história.

Como dito, a primeira metade do filme, mostra como se chegou ao ponto do primeiro clímax. Tal parte tem um andamento mais lento, para permitir ao espectador conhecer as personagens envolvidas. Nessa parte, são apresentados o Bope em ação, a esposa do Capitão Nascimento, a corrupção da PM, os estudantes de direito que participam de uma ONG no morro e os traficantes.

Dificilmente, seria possível retratar tais grupos sem tintas fortes, já que não há tempo suficiente em um filme para mostrar o outro lado. Assim, o Bope é apresentado como a tropa incorruptível, ao passo que o restante da PM é mostrado como um agrupamento do qual só corruptos fazem parte. Da mesma maneira que os estudantes são retratados como um grupo de maconheiros filhinhos de papai que só discutem e pouco fazem. Paciência para quem se sentiu mal retratado, se o filme fosse mostrar que há policiais honestos na PM e corruptos no Bope, e que há estudantes que tem idéias diferentes, o filme não andaria.

A junção de todas essas partes é feita pelo Aspirante André Matias, estudante de direito e melhor amigo do também aspirante Neto, um oficial que sonha em ser um Rambo, mas vê seu sonho distante no dia a dia da PM. Matias é a personagem mais complexa do filme, por ser tanto um ser pensante quanto um ser atuante, servindo assim de olhos da platéia para o que acontece em cena.

Após a primeira parte, Matias e Neto conhecem o Bope, ao serem salvo por este. Em seguida, alistam-se para o treinamento do Bope. Essa é a melhor parte do filme. Apesar de já explorado em diversos filmes do cinema americano, como Nascido para Matar e No Limite da Honra, o filme tem o mérito de apresentar um treinamento militar brasileiro, coisa que filme nenhum jamais havia mostrado, especialmente pelos ideais esquerdistas dos cineastas brasileiros de apresentar a polícia como inimigo. Outro mérito, segundo várias fontes ouvidas por jornais, é que o treinamento é bem fiel a realidade, sendo até mais manso do que é na realidade, já que já foi registrada morte de um homem em treinamento após ficar horas nas águas de uma represa.

O filme, que está dando muito pano para manga nos jornais e nas conversas pelo Brasil, foi considerado fascista por muitos. Isso me lembra o pessoal de esquerda da faculdade, para quem qualquer um que não tenha as mesmas idéias que eles são assim rotulados. Tropa de Elite não toma partido, apenas mostra uma realidade nua e crua. Há quem considere o Capitão Nascimento um herói (51% da população, segundo a Veja). Não se pode culpar um filme pela visão das pessoas, isso só se deve a crise de valores em nossa sociedade, que, assustada pela violência, não se importa com quem use métodos ilegais, como tortura e assassinato, para combater a criminalidade.

Apesar de ser, de fato, o filme do ano, Tropa de Elite não pode ser considerado o melhor filme brasileiro de todos os tempo, longe disso. Considero, inclusive, que foi acertada a decisão de colocar como representante para o Oscar O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias, não só por ser mais ao gosto da Academia, mas por ser uma história mais bem contada e rever um período tão retratado no cinema nacional de uma maneira bastante diferente.

Nota: 8

[3 Comentários]

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Um Crime de Mestre

Bom thriller

Fracture - Dir. Gregory Hoblit, EUA, 2007, 112min

Thriller policial que, como sugere o título, mostra a astúcia de um criminoso genial, o milionário empresário Ted Crawford (Anthony Hopkins).

A história já inicia-se com o crime em questão. Após ir verificar pessoalmente a informação, Crawford descobre que está sendo traído por sua esposa, um tanto mais nova que ele. Ao chegar em casa, ela recebe um tiro de seu marido. Assustados, os empregados fogem e chama a polícia. O negociador responsável, ao deparar-se com a vítima, descobre que esta é sua amante e parte para agressão contra Crawford, que acaba sendo preso.

Este crime aparentemente simples vem a envolver um jovem promotor de justiça, William Beachum (Ryan Gosling), conhecido por ganhar quase todas as causas que disputa, lembrando assim a personagem de Keanu Reeves em Advogado do Diabo. Em vias de mudar-se para um grande escritório, no qual ganhará muito dinheiro e dará uma guinada em sua vida, Beachum tem seu caminho cruzado pelo crime de Crawford, cuja causa decide pegar por considerá-la ganha.

Mas por mais simples que pareça, o crime envolve um problema de prova, pois a arma que é encontrada na cena do crime não é a mesma que atingiu a vítima, não havendo assim como provar que Crawford deu o tiro que mandou sua esposa para o hospital. Pelo pouco que sei de direito penal, acredito que esse é um típico problema do direito norte americano, já que no Brasil existe a livre convicção do juiz com base nas provas, não sendo necessária a presença da arma que efetuou o disparo, pois existem indícios suficientes de autoria do crime.

Neste ínterim, Beachum arrisca sua carreira pelo desejo de condenar Crawford, tornando um embate pessoal entre esses dois homens.

Apesar de ser um thriller típico, pouco inovando no gênero e apresentando um herói copiado das histórias de John Grisham, Um Crime de Mestre é uma produção que prende nossa atenção tentando entender qual foi o grande truque do criminoso.

Nota: 6

[2 Comentários]

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Fahrenheit 451

Ignorância é felicidade

Idem - Dir. François Truffaut, Inglaterra, 1966, 112min

Filme rodado na Inglaterra e falado em inglês dirigido pelo célebre diretor francês, François Truffaut, que sequer falava inglês. Aliás, para quem não sabe, o título doFahrenheit 11/09 de Michael Moore foi copiado deste filme.

Com relação à história, Fahrenheit 451 (lê-se farenrait), é uma ficção futurista, em um futuro próximo no qual as pessoas vivem em um mundo no qual os livros foram todos banidos, e possui-los tornou-se crime. Tal como é retratado, o “futuro”, analisado 40 anos depois de produzido o filme, parece-se, para nós que vivemos no século XXI, mais com o passado, já que nota-se que é uma produção com recursos escassos, dada a pequena variação de cenários, que não passam de casas com uma tecnologia pouco avançada, mesmo para os padrões dos anos 60, como paisagens no campo, por onde passa um simples monotrilho.

Percebe-se claramente uma influência do grande clássico literário 1984 de George Orwell, mas, enquanto este mostra o panorama geral de um governo autoritário, o filme de Truffaut foca, acertadamente, em um único assunto, a proibição da leitura e a conseqüente alienação que esta causa.

O foco da ação é um grupo de bombeiros, o tal Fahrenheit 451, responsável por queimar os livros encontrados na temperatura de 451 graus Fahrenheit (233º Celsius), daí o porquê de tal número. A alienação é tamanha que existem somente boatos de que um dia os bombeiros combatiam incêndios, e não livros.

O protagonista é Guy Montag (Oskar Werner) oficial dos bombeiros em vias de ser promovido, homem de grande importância na companhia, pois tem a “honra” de comandar o lança chamas de incineração dos livros. Alguns acontecimentos, especialmente um diálogo com sua vizinha sobre seu trabalho, fazem-no questionar-se sobre o porquê dos livros serem proibidos. Daí decide secretamente pegar um livro e ler, tornando-se assim um viciado em leitura, e tornando-se um homem mais crítico e racional.

O contraponto de Montag na história é sua bela esposa, Linda (Julie Christie), uma dona de casa completamente alienada pela TV, na qual somente são exibidos programas que tratam de beleza, comportamento, histórias banais, e telejornais com o objetivo de mostrar que os inimigos do governo são perseguidos e vencidos. Ou seja, nenhum programa faz ninguém ter de pensar, o pensamento já vem pronto de fábrica, não muito diferente do que ocorre com a televisão atual.

Outra conseqüência de tal alienação é a perda da capacidade de memória das pessoas. Todos confundem datas e pouco se lembram de acontecimentos passados, parecendo pessoas que vivem como animais, somente vivendo o dia a dia.

No melhor diálogo do filme, o chefe de Montag explica o porquê da proibição. Em síntese, os livros fazem pensar e isso causa infelicidade. Um exemplo ótimo é o dado pelo livro que mostra câncer de pulmão: para quê fazer os fumantes saberem do risco que correm, melhor com que fumem e não se preocupem com o que isso pode causar.

Como era de se esperar, Montag passa de perseguidor a perseguido, tendo sua casa destruída, com toda sua agora vasta biblioteca destruída, mas consegue escapar com um livro, e encontra abrigo em uma comunidade que vive escondida no campo, na qual cada pessoa decora seu livro favorito inteiro para não o portar e assim escaparem da ilegalidade. Uma grande bobeira, na verdade, já que acreditar que alguém é capaz de decorar todas as palavras de um livro completo é praticamente humanamente impossível, sendo uma utopia das maiores já mostradas. Mas releva-se isso pela bela idéia. E até, sabe-se lá, em um mundo no qual ninguém nunca leu faz com que as pessoas tenham o hard disk limpo, e talvez sobre espaço pra decoreba.

Apesar da produção pobre para quem se acostumou a ver superproduções de ficção científica e alguns exageros utópicos, Fahrenheit 451 é um filme que conta uma história que nos faz valorizar a leitura.

Nota: 9

[1 comentário]

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Paradise Now

Quem são os homens-bomba?

Idem, Dir. Hany Abu-Assad, Palestina/ França/ Alemanha/ Holanda/ Israel, 2005, 90min

Indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro de 2006, Paradise Now retrata a história de dois palestinos homens-bomba.

Said e Khaled são dois amigos, unidos pela idade, ambos em torno de 25 anos, e pela pobreza que trabalham como mecânicos na cidade de Nablus, na Palestina. Donos de personalidade bastante distintas, Said é bastante introspectivo e já Khaled é muito empolgado e falante. Dada a falta de perspectiva desses, decidem se oferecer como homens-bomba na guerra sem fim entre palestinos e israelenses.

Estão aqui alguns dos elementos que sempre ouvimos falar sobre homens-bomba. A glória a eles oferecida por se tornarem mártires e a recompensa vindoura que encontrarão no paraíso, razão pelo título do filme.

Apesar de tratar de um tema extremamente noticiado, o enfoque é diferente, já que normalmente acompanhamos tais notícias por órgãos de imprensa se não favoráveis pelo menos mais próximos de Israel do que dos Palestinos. No entanto, o filme tampouco é uma ode a coragem dos mártires árabes, muito pelo contrário. Em cima desse tema são discutidos assuntos como o porquê e a eficácia dessa estratégia, mostrando que os palestinos também pensam, e não são um bando de malucos fanáticos religiosos.

Obviamente, que essa questão do fanatismo não poderia deixar de aparecer em um filme com essa temática. Mas as personagens centrais são pessoas comuns e não loucos dispostos a sair matando indiscriminadamente. O que os leva a se tornarem homens-bomba é o mote do filme, e o que chama a atenção é que isso é causado pela falta de perspectivas desses homens, que não tem pouco a perder.

O filme trata também da motivação individual. Durante o filme, parece claro que Khaled é o mais motivado, sentindo-se um herói pelo que irá fazer e com sangue nos olhos, enquanto que Said sempre adota uma postura mais crítica e fria. Contudo, como mostra o filme, não basta essa motivação na base do grito, é necessário razão mais profunda para levar um ser humano acabar com a própria vida, o que Said tem e Khaled não.

Tecnicamente, Paradise também não deixa a desejar, com bons cenários, a maioria ao ar livre, retratando o cotidiano palestino, apresentando-nos a lugares que só vemos quando há bombas explodindo.

As atuações também são dignas de elogios, especialmente para Kais Nashif, sósia de Zidane, que vive Said.

Apesar dessas qualidades, Paradise não é nem uma obra prima, o mérito maior consiste em revelar uma realidade que conhecemos através de fortes doses de ideologia importadas do noticiário televisivo pró Israel.

Nota: 7

[1 comentário]

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O Sétimo Selo

Grande Clássico

Det Sjunde Inseglet, Dir. Ingmar Bergman, Suécia, 1956, 95min

Considerado um dos maiores clássicos da sétima arte, o Sétimo Selo é um filme que aborda temas éticos, como religião, existência de deus e a morte na Suécia da Época das Cruzadas assolada pela Peste Negra.

A narrativa tem como protagonista o cavaleiro cruzado Antonius Block (Max Von Sydow, o padre mais velho de O Exorcista) em seu retorno a Suécia após 10 anos de combate na Terra Santa, juntamente com seu escudeiro, Jöns. Ao retornarem, encontram seu país tomado pela Peste Negra, que está ceifando a população. Neste cenário, Antonius vive em confronto com a Morte, representada por um homem com seu manto negro e foice. Antonius desafia a morte para um jogo de xadrez, em cena metafórica muito marcante, numa partida que se estenderá ao longo do filme.

O outro núcleo que logo se juntará ao dessas duas personagens é representado por uma companhia circense itinerante, formados por um casal e seu filho bebê e por outro homem, representando os artistas, que tentam levar alegria à vida das pessoas em um cenário tão sombrio. Este núcleo é o protagonista de uma das melhores cenas do filme, e, provavelmente, da história do cinema, na qual é apresentado um antagonismo entre medo e alegria.

Na cena em questão, enquanto a companhia se apresenta surge uma procissão, na qual são apresentadas as piores formas de fanatismo religioso, com pessoas se auto-flagelando, pagando promessas, padres rezando, algo que ainda encontramos no mundo atual, especialmente nas épocas de páscoa, no Brasil. As mesmas pessoas que estavam vaiando e atirando tomates contra a companhia, ou seja, rechaçando a beleza, ajoelham-se e demonstram devoção à barbárie da procissão.

Ao longo da narrativa, outras personagens se juntarão a esse núcleo principal em uma viagem pela Suécia, no qual são visitados igrejas, vilas, fazendas e florestas, sendo o filme uma espécie de roadie movie mais antigo.

Todos as personagens, sem exceção, são dotadas de profundidade, nenhum deles servindo para somente ter papel de figuração. Antonius e Jons formam um antagonismo entre um homem introspectivo e ligado às grandes questões ético-filosóficas e outro homem mais adepto das coisas mais concretas e mundanas. O casal de atores representam a alegria e esperança do ser humano mesmo em cenários terríveis. Além desses, entram no rol de personagens o ferreiro traído e sua mulher, o ator conquistador, o padre ladrão, a camponesa humilde e a esposa do cavaleiro que o aguarda por anos.

Aliado a isso, a parte técnica do filme é muito bem trabalhada em se tratando de um filme não holywoodiano, antigo e em preto-e-branco. A fotografia, iluminação e cenografia fazem de algumas cenas clássicas, como a representação de Antonius jogando xadrez com a morte.

Com certeza, Sétimo Selo não é um filme de fácil e nem de única interpretação. Bergman criou uma obra profunda, que, com certeza, requer que seja vista algumas vezes para melhor entender suas mensagens. Contudo, não é uma obra como Cidade dos Sonhos, um filme que é um grande quebra-cabeça no qual o espectador tem de juntar os fragmentos para procurar entendê-lo. A narrativa é linear e favorece a compreensão, qualquer um pode entender o básico do filme, mas as grandes e profundas discussões entre Antonius e a Morte exigem atenção especial e uma participação do espectador.

Enfim, Sétimo Selo é considerado um grande clássico e possui os méritos necessários para tanto.

Nota: 10

[1 comentário]

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Piratas do Caribe – O Baú da Morte

Yo ho, yo ho, efeitos especiais pra mim

Pirates of the Caribbean: Dead Man´s Chest - Dir. Gore Verbinski, EUA, 2006, 150min

Continuação do filme de 2003, Piratas do Caribe “2” mostra uma nova aventura protagonizada pelo trio Elisabeth (Keira Nightley), Will Tuner (Orlando Bloom) e o divertido pirata Capitão Jack Sparrow (na excelente, como sempre, atuação de Johnny Depp).

Nesta aventura, um enredo estranhíssimo, envolvendo mais coisas sobrenaturais que o primeiro e uma rede de personagens complicam a história, que já não é lá das melhores. A confusão é tanta em meio a tantas histórias paralelas que o espectador perde-se em meio a elas.

O filme perde-se muito em suas virtudes técnicas. Realmente, os efeitos especiais impressionam, mas nunca um filme deve tentar se apoiar sobre esses, que devem servir como elemento de criação cinematográfica. Em Piratas, o filme parece um grande laboratório de testes de técnicas cinematográficas. Exemplo é o vilão principal, o Capitão Davy Jones, um ser criado por computador com uma barba de tentáculos e sua tripulação todo formado por seres semelhantes. Exagero que retira o foco de qualquer tentativa de atuação.

Piratas 2 perde até o charme de seu antecessor, que consistia em ser uma historinha simples e divertida, no qual os efeitos especiais não roubavam a cena. Sobra um pouco de diversão, menos que no primeiro, e a atuação de Johnny Depp.

Nota: 4

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Barry Lyndon

Tudo que sobe, desce

Idem, Dir. Stanley Kubrick, Inglaterra, 1975, 183min

Apesar de ser bastante suspeito para falar de filmes do Kubrick, que é meu diretor preferido, dou aqui meu pitaco sobre essa obra-prima (só por esse comentário já dá pra saber a nota), Barry Lyndon.

A história do filme retrata a trajetória de um Zé ninguém que busca um lugar ao sol. A trajetória do anti-herói Redmond Barry, cobre um período de aproximadamente 20 anos, mostrando sua ascensão e decadência.

Redmond é um jovem irlandês que vive com sua mãe em uma casa cedida por favor por um tio. Tal situação o faz ser mal visto pela sociedade, encarnada na figura de sua prima, sua primeira paixão, que, apesar de gostar dele, o despreza por ele não ter onde cair morto. Assim, esta inicia um namoro com um capitão do exército inglês, possuidor de status e dinheiro, que ainda ajudaria sua família com o abatimento de uma dívida.

Sentindo-se traído, Barry desafia o capitão para um duelo, o qual, surpreendentemente, vence. Com isso, Redmond tem que fugir das autoridades inglesas, e inicia sua grande jornada, que passa pelo exército inglês e pelo prussiano, torna-se servo de um espião disfarçado de nobre, golpista profissional e casa-se com uma jovem viúva aristocrata.

Nessa trajetória, Kubrick coloca alguns elementos característicos de sua filmografia, como diálogos estranhos para certas situações, como no assalto em que os ladrões conversam com Barry como se fosse um encontro de cavalheiros, desilusão com as forças armadas, corrupção do mundo, hipocrisia humana e outros elementos de sua visão pessimista do mundo.

Associado a isso, um rigor técnico apurado, com ambientações, figurino e fotografia invejáveis, servindo como excelente retrato da Europa pré-revolução Francesa. As 3 horas de filme valem à pena para quem está disposto a acompanhar uma história extremamente bem contada.

Barry Lyndon é uma grande alegoria que mostra a que pode levar a ambição humana, apresentando certa lição moralista, de que as conquistas são efêmeras, e tudo que sobe, inevitavelmente, desce.

Nota: 10

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Homem-Aranha 3

Mosaico Aranha

Spider-Man 3, Dir. Sam Raimi, EUA, 2007, 140min

Continuação desta trilogia cinematográfica do herói de HQs e desenhos animados, que devido aos sucessos de bilheteria é bem provável que gere novos filmes.

Nesta aventura, Peter Parker (Tobey Maguire) começa a finalmente a desfrutar do sucesso como Homem-Aranha, na velha questão da fama subir à cabeça, já que é festejado, poderíamos dizer, por público e crítica. Ao mesmo tempo, sua namorada, Mary Jane (Kirsten Dunst), encontra-se em situação oposta em sua carreira como atriz da Broadway. Colocar o lado humano juntamente à ação não é novidade na série, pois todos os filmes sempre apresentaram algum conflito humano da personagem central, o que vem sendo a tônica nas superproduções de super heróis, como X-Men e Hulk.

O primeiro confronto de Homem-Aranha é com seu antigo amigo Harry Osbourne (James Franco), filho do vilão do primeiro filme, o Duende Verde, que busca vingar à morte de seu pai que acredita ele que foi assassinado por Peter. Munido de uma prancha voadora, ele enfrenta Peter e é derrotado por ele, sofrendo amnésia e retomando a amizade. Cabe aqui um elogio à atuação de Franco, que consegue mudar completamente sua expressão de vilão para bom moço após a amnésia.

Outro novo vilão é Homem-Areia (Thomas Haden Church, do brilhante Sideways) o verdadeiro assassino de Ben Parker, tio e pai de criação de Peter, um bom ladrão que ganha seus poderes em um experimento científico, como as demais personagens da série.

Também pode ser considerada como vilã a substância misteriosa que, logo no início do filme, vinda de um meteoro, entra em contato com Peter. Tal substância torna o uniforme de Aranha negro, dando mais poderes à Peter e estimulando sua agressividade. Por conta disso, surge uma das melhores cenas do filme, no momentoem que Peter, sentindo-se muito confiante, começa a paquerar todas as mulheres com que cruza na rua, inclusive dançando sozinho nas ruas de Manhattan.

Somados todos esses eventos, Peter começa a perder Mary Jane, que não se sente especial junto ao namorado, iniciando um relacionamento com Harry.

Por fim, quando Peter se livra da substância, ela cai em seu rival, o fotógrafo Eddie, que se torna Venom, que tem por objetivo único destruir o Aranha, e une-se ao Areia para tanto.

Analisando o filme em relação aos seus antecessores, a nova aventura inclui muitos vilões, o que retira a força desses, pois, desta maneira, não pode aprofundar as personagens, como fez melhor com Duende Verde no primeiro filme e Dr. Octopus no segundo. Por exemplo, o fato de Homem-Areia pedir desculpas ao Homem-Aranha surge do nada, sem grandes explicações. Venom, de seu surgimento ao seu fim, dura menos de uma hora em tela. Harry é o melhor tratado desses, que une-se ao Aranha no final para salvar Mary Jane.

Mesmo o lado humano, o que era a grande força dos dois primeiros filmes, aqui tratou de algo menos emotivo do que nos anteriores, que versavam sobre o crescimento de uma pessoa comum e sobre o conflito entre viver uma vida ordinária e uma de herói.

Assim, Homem-Aranha 3 torna-se uma vítima do sucesso da série, perdendo um pouco do tom de aprofundamento que marcaram seus antecessores e apenas repetindo seu sucesso com um grande mosaico para atrair maiores bilheterias.

Nota: 4

 Escrito por Cristiano às 10h17
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Sexo, Mentiras e Videotape

Sexo verbal

Sex, Lies and Videotape, Dir. Steven Soderbergh, EUA, 1989, 103min

Filme cult dos anos 80, especialmente por ter sido indicado ao Oscar de Melhor Roteiro. Apesar do nome, o filme não tem nada de pornográfico ou erótico, sendo que o sexo é somente discutido e a história gira em torno de somente quatro personagens, dois homens e duas mulheres, lembrando o recente e excelente Closer.

John (Peter Gallagher, hoje em dia o tiozão no O.C.) é um advogado bem sucedido casado com Ann (Andie MacDowell), que abandonou a profissão para viver cuidando do marido. A falta do que fazer faz com que ela se submeta à terapia para falar de suas neuras decorrentes de seu quase isolamento como dona de casa. Enquanto isso, John mantém um caso com sua irmã mais nova, Cynthia (Laura San Giacomo), com personalidade muito distinta de Ann, de quem sente profundo ciúme por ser a queridinha de todos. Nesse cenário de mentiras, John ainda faz o papel do senhor certinho, revelando uma profunda hipocrisia.

Com este cenário estabelecido, surge na história Graham (James Spader) amigo de faculdade de John que não o via desde a formatura. Ambos tomaram caminhos muito distintos, e Graham é praticamente um nômade que não trabalha, apenas tem um carro e sai passeando pelo mundo.

No encontro com John, estabelece-se o clima de discordância entre esses. Graham se mostra um cara que não suporta a hipocrisia do mundo, ao mesmo tempo que se revela um desajustado social, não muito habituado as regras de etiqueta do mundo “civilizado”. Esse comportamento diferente intriga Ann, que se sente atraída por essa pessoa diferente, como ela mesma se sente.

Graham revela-se um homem mais estranho do que parece. Apesar de extremamente sincero e simpático, esconde uma mania pouco comum: colecionar depoimentos por ele gravados em vídeo sobre mulheres relatando suas vidas sexuais. Mais interessante ainda é o fato de ele revelar a Ann que é impotente, sendo esses depoimentos sua fonte de prazer.

Como esperado, as máscaras caem no final, sendo que Ann descobre a traição de John com Cynthia e John vê a fita com o depoimento sexual de Ann.

Assim, Sexo, Mentiras e Videotape é um filme com poucos personagens com certa profundidade que busca mostrar a verdade que existe por trás das convenções sociais.

Nota: 7

A Comilança

Comer comer.... é o melhor para poder morrer

La Grande Bouffe, Dir. Marco Ferreri, França/Itália, 1973, 130min

Filme que passou recentemente na sessão cinéfilo do HSBC. O enredo consiste em um grupo de quatro amigos que decide se reunir para comer até morrer. Todos as personagens recebem o nome de seus intérpretes.

Marcello (Mastroianni) é um piloto de aviões machão à moda antiga. Ugo (Tognazzi) é o chef que por motivos óbvios assume a função de carrasco. Michel (Piccoli) é coreógrafo e dono da mansão onde ocorre a cerimônia. E Philippe (Noiret) é o juiz controlado por sua ama de leite. Todos senhores de meia idade e respeitados pelo que fazem.

Logo no início do isolamento, Marcello diz que não pode ficar sem transar e decide chamar algumas prostitutas à casa. Pouco depois, o grupo convida uma professora primária para juntar-se a eles. Dado seu cargo, todos julgavam ser ela uma pessoa muito pudica, temendo pela reação dela juntamente as prostitutas, mas ela releva-se mais devassa que as profissionais do sexo.

Assim, o filme segue esse caminho da comparação entre os prazeres sexuais e degustativos, apresentando-nos uma idéia de que são muito próximos um do outro, senão iguais.

Como todo filme que procura abordar a loucura humana, Comilança é também um filme que nos leva a esse mundo louco, fazendo-nos questionar se o louco são eles ou se os loucos somos nós, ou se ambos.

No entanto, o filme, apesar dos personagens bem construídos e das excelentes interpretações, tem um ritmo lento demais, e caminha para um final esperado em seu final. Algumas cenas poderiam ser mais curtas, para o filme ter menos que duas horas.

Como é um filme que gera a dúvida se é brilhante ou estúpido, mas é interessante, aqui vai sua nota

Nota: 6

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300

Não é meu chicote que eles temem

 

Idem, Dir. Zack Snyder, EUA, 2007, 117min

Baseado na história em quadrinhos de Frank Miller, 300 retrata a épica batalha dos 300 melhores guerreiros de Esparta, liderados pelo valente Rei Leônidas (Gerard Butler) contra os 2 milhões de soldados do rei Xerxes, da Pérsia (Rodrigo Santoro).

O filme é um espetáculo gráfico fantástico. Excelentes efeitos visuais, figurinos, fotografia e edição dão o tom à grandeza da batalha das Termópilas. Seguindo uma linha totalmente diversa da que vinha sendo utilizada em épicos recentes, comoGladiador e O resgate do Soldado Ryan, que utilizaram edição extremamente recortada, que confere tensão ao filme mas retira do espectador à percepção do todo, em 300 são utilizadas seqüências longas em slow motion em alguns confrontos, o que dá ao espectador a percepção real dos movimentos corporais da batalha. Percebemos todos os movimentos utilizados pelo guerreiro para matar diversos oponentes.

O enredo inicia-se apresentando-nos no panorama da vida de caserna espartana. Didaticamente, é mostrado o treinamento militar desde a infância, que diferenciava a pólis de Esparta. Lá, desde o nascimento, o sujeito era condicionado a ser um soldado. Tal traço fundamental da cultura espartana é mostrado ao longo de todo o filme, por meio da determinação dos guerreiros, seu treinamento exclusivo para a guerra, a figura do corcunda rejeitado para ser soldado, entre outras.

Seguindo no enredo, emissários persas vêm a Esparta com o propósito de pedirem que Leônidas ajoelhasse-se perante Xerxes e aceita-se seu domínio, tornando-se vassalo deste, o que é prontamente recusado. Como a cidade tem dúvidas da eficiência que teria uma guerra contra os persas, recusasse a entregar seu exército. Assim o rei Leônidas convoca sua elite, numa missão sem o carimbo de oficial, reforçando o espírito guerreiro de seus homens.

Reunidos, a turma de sunguinha e capa parte para a batalha. Aí começa o espetáculo gráfico do filme.

Passado parte dos confrontos, o imperador Xerxes reúne-se com Leônidas. Neste momento, o homossexualismo do filme, já pronunciado com a turma dos marombados de sunguinha, atinge o ápice, quando Xerxes, cheio de piercings, depilado e alto, no melhor estilo Vera Verão, como bem lembrado pelo pessoal do Pânico na TV, coloca as mãos no ombro de Leônidas e dizendo: “Não é meu chicote que eles temem”. Os cinemas brasileiros estão desabando em risos neste momento, apesar de ser uma cena séria, na qual Xerxes tenta convencer Leônidas a aceitar a dominação.

Paralelamente a ação, na cidade de Esparta, a rainha busca convencer o conselho a enviar o exército para defender a nação, sendo algo que poderia ser retirado do filme, pois, além de quebrar a seqüência, é muito mal feito, com discursos grandiloquentes, sedução, etc. tudo pela necessidade do filme de colocar uma mulher em destaque numa história de guerra. Neste caso, melhor seria deixar histórias de amor e política de salões de lado, concentrando o foco no filme na batalha. Mas é Hollywood, então é necessário introduzir alguns elementos para atraírem maior público.

Assim, o filme é dividido numa clássica história épica e numa intriga política. Não fosse o visual assombroso, 300 seria um filme qualquer. Mas, devido a isso, merece seu crédito.

Nota: 6

[4 Comentários]
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Borat

Michael Moore da Comédia

Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan, Dir. Larry Charles, EUA, 2006, 84min

Comédia que suscitou muita polêmica ao redor do mundo por seu humor totalmente politicamente incorreto, Borat é um pseudo-documentário que narra a viagem do personagem título, vivido por Sacha Baron Cohen, para conhecer os hábitos norte-americanos.

O filme inicia-se com Borat Sagdiyev apresentando sua aldeia natal, um povoado bastante pobre, no Cazaquistão. Borat apresenta sua família, seu vizinho, e seus hábitos, já fazendo graça com seu próprio país.

A seguir, Borat viaja aos EUA, com o objetivo de centrar sua visita à New York. Chegando lá, faz piadas com os costumes, lembrando um pouco Crocodilo Dundee, ao tentar cumprimentar as pessoas no metrô e nas ruas. As reações são as mais bizarras possíveis, passando por pessoas que ignoram, as que são agressivas e culminando em um louco que sai correndo quando Borat estende a mão para cumprimentá-lo na rua.

Assistindo à TV no hotel, Borat apaixona-se por Pámela Anderson, a mais famosa salva-vidas do seriado Baywatch, e decide cruzar os EUA até Los Angeles para encontrá-la.

Assim, inicia-se uma jornada que cruza o país, retratando o comportamento “gangsta life” dos negros de Atlanta, as tradicionais famílias cheias de regras de etiqueta do sul do país, universitários que querem beber até cair, prostitutas, evangélicos petencostais, cowboys entre outras figuras típicas da cultura americana.

As piadas retiradas desse estranhamento cultural são excelentes. O protagonista utiliza-se da velha fórmula de se fazer de bobo da corte, para que as pessoas mostrem o pior de si mesmas. Obviamente, fica a questão do que é verdade e do que é encenado no filme. Creio que as melhores piadas são frases reais, ditas por americanos estúpidos.

Borat não é um filme para toda a família. Muitas piadas são pesadas, e há um humor escatológico para chocar até mesmo quem se divirta com isso. Mas quem for assistir ao filme sem estar preocupado com o politicamente correto, com certeza irá rir bastante até mesmo dos momentos mais, digamos, heterodoxos.

Nota: 7

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O Ilusionista

Só não ilude a platéia

The Illusionist, Dir. Neil Burger, EUA/República Tcheca, 2006, 110min

Filme ambientado em meados do século XIX, na Áustria, que retrata a trajetória da personagem-título protagonista, o mágico Eisenheim, vivido pelo ótimo Edward Norton.

O início da história retrata a adolescência de Eisenheim, quando se apaixona por uma jovem aristocrata, Sophie. Por ser um camponês, o amor não pode ir adiante, e o ilusionista muda-se para outros países da Europa.

De volta à Áustria, já na casa dos trinta anos, Einsenheim apresenta um espetáculo que conquista e ao mesmo tempo assusta o público, pois suas atrações envolvem fantasmas. Nisso, reencontra sua amada, agora noiva do príncipe herdeiro do trono austro-húngaro, atiçando seu ciúme e vendo-se perseguido pelo agente de polícia local, vivido por Paul Giamatti, de Sideways.

A história desenvolve-se de maneira lenta e enfadonha. O filme é daqueles nos quais o espectador pergunta-se se ainda falta muito para acabar. Além disso, é mais uma historinha de amor bobinha e previsível.

Fica nítido durante o filme que alguns detalhes são propositalmente omitidos, como o “assassinato” da mocinha. No qual utiliza-se a tática dos ilusionistas de mostrar somente um ângulo. Assim, o filme tem mais algumas dessas “ilusões”.

Ao final, o mocinho e a mocinha unem-se para um bobo final feliz, enquanto o inspetor fica todo feliz por ter descoberto a trama por eles armada.

Se o diretor quis criar uma ilusão, conseguiu, ao colocar dois bons atores (que precisam escolher melhor seus papéis, pois aqui decepcionam) e de conseguir uma ampla divulgação para um filme péssimo.

Nota: 3

[2 Comentários]

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Dreamgirls

O caminho do sucesso

 

Idem, Dir. Bill Condon, EUA, 2006, 131min

Baseado em peça homônima da Broadway, Dreamgirls, mostra a trajetória de um grupo de cantoras negras, desde seu início até seu término. O filme ganhou destaque por ter vencido o Globo de ouro de melhor filme na categoria musical/comédia.

Iniciando-se no início da década de 1960, o filme usa como pano de fundo o crescimento da cultura negra (ou afro-americana, para os politicamente corretos) nos EUA. Na época, a cultura negra era restrita a seu grupo étnico marginalizado, sendo que haviam rádios para negros, jornais para negros e shows para negros, num típico exemplo de cultura de gueto.

Neste cenário, um homem inescrupuloso e ganancioso, Curtis Taylor Jr., interpretado pelo oscarizado Jamie Foxx, busca ganhar dinheiro com o crescimento da música negra. Para isso, vai a shows para a comunidade negra em busca de uma banda que possa servir aos seus interesses. Na busca, ele encontra as Dreamettes, grupo iniciante em busca do sucesso musical, liderado pelo impressionante vocal de Effie White (Jennifer Hudson, vencedora do Oscar de Atriz Coadjuvante pelo filme), acompanhada por Deena Jones (Beyoncé Knowles) e Lorrel Robinson (Anika Noni Rose).

Curtis convida o grupo para excursionar como backing vocals do astro negro James "Thunder" Early, vivido por Eddie Murphy, em ótima atuação, apesar de não deixar o caráter de malandro que sempre o caracterizou, mas colocando um aspecto dramático no personagem, nunca antes demonstrado por ele. Esta parte do início do filme é contagiante, com músicas muito animadas e editado em forma de clip musical, o que não torna o filme chato, como costumam ser os musicais.

Com a turnê, as meninas adquirem luz própria e deixam James Early, mudando o nome para The Dreams. Nesse momento, Effie está namorando com o produtor, Curtis. Curtis tinha visão de longo prazo, e decide que para a banda atingir o estrelato a virtude mais importante não será a qualidade da voz de Effie, mas a beleza estonteante de Deena. Mesmo contrariada, Effie aceita a mudança. Mas a inveja dela muda esta situação com o tempo, não aceitando ser simplesmente a backing vocal do grupo por saber que seu talento é maior que o da parceira, além de corretamente suspeitar que seu namorado, Curtis, está tendo um caso com ela.

Assim, Effie deixa o grupo. Esta parte do filme é seu ponto fraco, pois utiliza o péssimo hábito de musicais de usar músicas para fazer diálogos, recurso que somente quem é muito fã deste gênero aprecia. Um filme que a princípio estava casando a música muito bem com a história torna-se maçante nesta parte.

Como exemplo de como um musical pode estragar uma boa história, tomo o exemplo de Primavera para Hitler, comédia de Mel Brooks dos anos 60 que relata a história de uma tentativa de criar um fracasso de bilheteria na Broadway, que foi transformado em peça da Broadway nos anos 90, com o nome de Os Produtores e retornou ao cinema em 2005 com este título, tornando uma das melhores comédias da história do cinema em um filme detestável, no qual deve-se usar o fast forward nas canções sem graça.

Na seqüência, Dreamgirls mostra o sucesso absoluto atingido pelas Dreams, agora rebatizado como Deena Jones and The Dreams, com sua líder se tornando uma estrela de primeira grandeza no mundo todo, rompendo as barreiras que antes existiam para cantoras negras.

A parte final, como não poderia deixar de ser em um filme hollywoodiano, caminha para a busca do final feliz, com a reaproximação entre Deena e Effie, o fim do relacionamento entre Deena e Curtis e o reconhecimento de que Effie foi o grande talento que o grupo teve e foi abandonada.

Apesar da questão da música substituir diálogos e da historinha comum de decadência e superação, Dreamgirls ainda assim é um bom filme de entretenimento, com momentos de grande energia e beleza visual.

Nota: 6 

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